moda pra ler

Buenos Aires@WGSN

2012-03-01T20:01:00.000-03:00

Estou passando um tempinho em Buenos Aires. Por aqui está rolando a Fashion Week local e aproveitei para ir à palestra do WGSN sobremacrotendências para o verão 2013. Como estive ausente do último SPFW fiqueibem contente em conferir o repeteco em castelhano.

Mais modesta que a edição paulistana, a conferência portenhado site aconteceu na Casa Natura, um charmoso espaço em PalermoViejo.

Catalina Marín que trabalha baseada na Colômbia apresentouas três macrotendências para o verão 2013, e em seguida, Analia Piffaretti,diretora comercial do bureau para a América do Sul (a sede da rede sul americana do WGSN fica em São Paulo), sugeriu estratégias demarketing para as empresas de moda.

Antes de começar a apresentação Catalina falou desentimentos universais que estão permeando o mundo e influenciarão o verão 2013. “Desintoxicar da tecnologia”. “Ser legalcom o próximo”. “Valorizar a realidade”, “A volta de questões filosóficas: deonde viemos? Para onde vamos?”. Um estudo de uma universidade inglesa apontou avolta do interesse pela física (atribuo isso a Sheldon Cooper e seus amiguinhosdo The Big Bang Theory). Empresas como a Apple, o Google, Facebook, continuampromovendo o “ser nerd é cool”. Olha o inconsciente coletivo aí gente!

IDIOMATIC

A peculiaridade desse vídeo é a trilha sonora. Michel Teló.Essa música não para de tocar aqui em Buenos (também). Como vocês verão a seguir já há versões em línguasestranhérrimas. A razão pela qual o tema foi escolhido é ser local e global aomesmo tempo. A língua não é mais uma barreira. Segundo os pesquisadores do WGSNestá acontecendo uma revalorização das culturas locais. Marín citou botastradicionais mexicanas de bico bem pontudo que ganharam nova vida e viraramuniforme da balada.

Na moda: é uma sugestão para cores saturadas,assimetria, rústico e o sofisticado juntos.

WONDERLAB

Essa tendência tem a ver com a ciência e tecnologia, eparticularmente com a tecnologia, que possibilita ver beleza onde nuncahavíamos imaginado. A referencia principal são as fotos tiradas por meio demicroscópios super potentes que aumentam em milhões vezes o tamanho de células,vírus e bactérias. Nesse sentido, Catalina falou que há estilistas estudando ocorpo humano de maneira mais aprofundada. A Wonderlab também tem a ver com ahistória de possuir um conhecimento muito específico, em outras palavras, serperito em um tema que pouca gente conhece.

Na moda: poderá se manifestar por meio de estampasinspiradas na microbiologia, tecidos e acabamentos tecnológicos, tais comoalguns tipos de resina, e de tirar o belo do inesperado.

STORY OF NOW

E a última macrotendência aponta os consumidores que queremo absoluto, o concreto. Aquelas pessoas que estão cansadas de promessas que nãose cumprem. As marcas devem ter atenção redobrada com esse tipo de consumidorque exige seus direitos. Esta associado a isso as manifestações que estão acontecendo mundo afora. Ela mostrou um slide em que havia uma foto de uma garotacarregando uma placa escrito “the new beginning is near”. Apontando não opessimismo, mas sim, uma nova maneira de ver o mundo. E nas artes isso pode sertraduzido pelo trabalho “Back to the future” da fotografa Irina Werning. Essa macrotendência tem um quê de nostalgia também.

Na moda: aparece por meio de colagens, reciclagem,sobreposições, e da influencia esportiva, a medida que há um certo despojamentono vestir deste grupo. Também se associa a uma produção artesanal, maisexclusiva.

***

A palestra de Analia Piffaretti seguiu com sugestões deações de marketing para as marcas cativarem os clientes. Ela citou ferramentascomo o tumblr, o istagram, foursquare, games e aplicativos de smartphones ecitou exemplos de como algumas marcas estão tirando proveito disto. Alémapontou a mudança de postura de algumas marcas que estão mudando o catálogofotográfico por vídeo. E a vontade do consumidor de “visitar a cozinha damarca”, conhecer o processo de fabricação e saber dos bastidores de desfiles,fotos, etc. A comunicação por imagem, aliás, é o caminho mais indicado, pois fisga mais rápido o almejado cliente/internauta.

A mensagem final é que não adianta a marca produzir conteúdopontualmente. A sedução ao cliente tem que ser contínua. Usou o termo“Story-Building”, ou seja, a história da marca deve estar sempre em construção.

Burberry, Nike, Puma, e as brasileiras Maria Filó, Farm,Cia. Marítima e o site de venda on-line de calçados Shoes4You, foram citadas como cases de sucesso.

vou puxar a sardinha pro meu lado, porque fiz o roteiro, assistência de direção, e co-edição desse vídeo.

A executiva provocou as grifes argentinas presentes a pensarestratégias para o consumidor brasileiro, uma vez que está pertinho, têm dinheiro e podemaproveitar o alto potencial de design dos vizinhos.

***

Saí inspirada da palestra e fui dar uma voltinha em PalermoViejo, o bairro trendy daqui. Entrei em uma loja chamada Brujas (Serrano x Gorriti) que vende umaseleção de designers independentes. E dentro do espaço, espiando o que andamaprontando os novos estilistas argentinos, ouvi no rádio dois comentaristasconversando sobre os cinquenta anos da chegada do primeiro computador no país.Foi apelidado de Clementina e custou algo na casa dos milhões à Universidade deBuenos Aires, e exigia uma sala inteira.

A prosa da dupla foi rumando para astecnologias atuais e eles começaram a falar do Instagram. Como os efeitos doprograma despertam a nostalgia da época analógica e permitem que acabam mexendocom o lado afetivo das pessoas. E de como por meio deste aplicativo se encontrabeleza no inesperado, seja estação de metrô do costumeiro caminho ao trabalho,ou um detalhe na rua da casa que nunca se havia notado. No creo en las brujas,pero que las hay las hay.

O tapete vermelho de hoje é a história da moda de amanhã

2012-02-28T22:51:00.000-03:00

Angelina Jolie, de Atelier Versace.

Perna esquerda Trend Topic

Quando a gente estuda a história da moda é impossível não esbarrar nas celebridades no meio do caminho. Porque “a arte”, costuma ser o termômetro de uma época, de uma geração. As condições socioeconômicas e políticas promovem o tal o inconsciente coletivo, ou seja, as mesmas sensações em pessoas de diferentes países, culturas e crenças. Assim, é possível encontrar questionamentos comuns nas obras de artistas aparentemente díspares. Tão longe, tão perto.

As branquinhas do Oscar 2012

Milla Jovovich de Elie Saab Couture

Com o cinema, 7º lugar no ranking das artes, não é diferente, e certamente, é a modalidade que mais flerta com a moda, na medida em que precisa do figurino para contar a história, e cujos personagens têm uma sobrevida fora das telas, na tal vida real.

Logo, mesmo, e, hoje em dia, principalmente, longe das câmeras costumam ter figurinos bem marcados e estilos passíveis de inspiração, cópia e rejeição.

Pense então em...

década de 1930: Greta Garbo, Vivian Leigh ou Marlene Dietrich.

1940: Ava Gardner, Lauren Bacall, Rita Hayworth, Ingrid Bergman...

1950: Marilyn Monroe, Audrey Hepburn, Sophia Loren, Grace Kelly...

1960: Faye Dunway, Anna Karina,Brigitte Bardot,Catherine Deneuve...

1970: Farah Fawcett, Olivia Newton John ...

1980: Madonna, Cher, Jennifer Beals, Kim Basinger...

1990: Sharon Stone, Demi Moore, Uma Thurman, Winona Rider...

2000: Angelina Jolie, Scarlett Johansson, Penelope Cruz...

... e por aí vai.

Rooney Mara in Givenchy Couture

Essas mulheres, mais do que celebridades, acabam se tornando a cara de uma época. E o tapete vermelho é o momento em que elas resplandecem (ou pelo menos tentam).

Gwyneth Paltrow de Tom Ford

No momento, mais do que nunca, existe uma verdadeira fábrica de celebridades, são poucas as que carregam o verdadeiro “Star Quality”: a junção de beleza e inteligência, ou sorte (por que não?), para participar de filmes destacados. E, acredito, serão estas atrizes cujas fotos estamparão os livros de história da moda no futuro, inspirarão criadores em suas coleções e o guarda-roupa de mulheres mundo a fora. Feliz o estilista que consegue vesti-las na hora H.

tigres em desfile

2012-02-24T00:20:00.001-02:00

Desfile Inverno 2013 de Alexander Wang

De tempos em tempos surgem ondas de identidade criativa na moda. Nos anos 1980 foram os japoneses que revolucionaram as formas, no 90 os belgas uniram precisão arte, técnica e vocação comercial. E nos últimos anos uma avalanche de sobrenomes orientais anda fazendo história na semana de moda de Nova York: Wang, Lim, Wu, Lam...Olhando as coleções desses estilistas há uma vocação urbana inerente, sofisticação, e rigor técnico. Todos já foram contemplados com prêmios CFDA

Serão eles candidatos a carregar o troféu Zeitgeist da década? Essa palavrinha alemã significa o espírito de uma época. Ainda é cedo pra concluir, mas a aparição em massa, não é mera casualidade.

Ainda que a moda mude há seis meses, a ordem mundial está se transformando há algum tempo, e os tais tigres asiáticos, capitaneados pela China, estão mostrando ao mundo ao que vieram. Na visão voyerista que proponho aqui, tais orientais parecem sempre dispostos a conquistar espaço onde chegam, por meio de trabalho duro, uma atitude agressiva nos negócios. A inserção sorrateira e cotidiana seja qual for o país onde se instalam, e acabam se tornando referência. Da loja de eletrônicos, passando pelo mercadinho de bairro que fica aberto até mais tarde, à instalação de usinas de petróleo na África.

Indonésia e Malásia já estão na rota das etiquetas "made in" das fast-fashion

Falando dos novos orientais-americanos da moda, o desbravar do novo continente tudo indica ficou a cargo de gerações anteriores, por isso, esses estilistas já moldaram seus olhinhos puxados para as demandas vorazes de consumo do mercado norte-americano, e mundial, por consequência. E tudo fica mais fácil com a forcinha de uma celebridade aqui e outra alí nos tapetes vermelhos da vida. Já faz parte do jogo da moda.

Vamos a lista:

Alexander Wang

Idade: 28 anosAscendência: Seus pais são de TaiwanDe São FranciscoMora em Nova YorkFormação: Parson’s The New School of Design, NYCFDAs: 2009 Swarovski Award for Womenswear; 2010 Swarovski Award for Accessory Design, Alexander Wang; 2011 Accessory Designer of the Year

Gisele no Baile de Gala do Met em 2010 usando Alexander Wang

inverno 2013

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Derek Lam

Idade: 45 anos Ascendência:mãe nasceu em Hong-Kong e o pai é filho de imigrantes chineses.De São FranciscoMora em Nova YorkFormação: Parson’s The New School of Design, NYCFDAs: 2005 Swarovski’s Perry Ellis Award for Womenswear; 2007 Accessory Designer of the Year

Diane Kruger em Berlim, usando Derek Lam

Kirsten Dunst, usando Derek Lam

Inverno 2013

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Jason Wu

Idade: 29 anosAscendência: seus pais são chinesesDe Taipei, TaiwanMora em Nova YorkFormação: Parson’s The New School of Design, NYCFDA: 2010 Swarovski Award for Womenswear

Ah!: Vestiu Michelle Obama no baile da posse, desenvolveu um modelo de Melissa e em março chega às lojas sua coleção para a fast-fashion Target.

Michelle Obama no baile da posse do marido em 2009

A atriz Viola Davis, que concorre ao Oscar, usando Jason Wu em um editoral da Revista do L.A. Times

Inverno 2013

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Phillip Lim

Idade: 38 anos Ascendência: Filho de chinesesDe Bangkok, TailândiaMora em Nova YorkFormação: Administração de empresas na California State University, Long BeachCFDA: 2007 Swarovski Award for Womenswear

Alexa Chung no baile de Gala do Met em 2010

Lucy Liu

Inverno 2013

PS 1: Além deles vale citar também a “velha guarda” Anna Sui, Vera Wang, e o sapateiro Jimmy Choo mas também vale buscar a jovem sul-coreana Doo-Ri Chung e Richard Chai. Nessa materinha em inglês têm mais.

PS 2: E falando nisso em DNA criativo... já que o Brasil está na crista da onda econômica, ao lado da China, seria um bom momento para aparecer “os brasileiros”. Ia ser chique em alguns anos os livros de história da moda relatarem um movimento brasileiro. Precisamos pensar sobre o que é necessário fazer, ou que falta fazer, para isso se tornar realidade. Pedro Lourenço, Alexandre Herchcovitch e Osklen já começaram o movimento.

o figurino falante

2012-02-23T01:38:00.001-02:00

No post anterior escrevi sobre como as roupas costumavam ser valiosas e inclusive eram objetos de penhor até o século passado. E não é que isso é representado literalmente no filme "O Artista"?

"O Artista" (2011) Direção: Michel Hazanavicius

Figurino é um das categorias as quais o longa-metragem preto-e-branco, e mudo, concorre no Oscar do próximo domingo, dia 26/02. Mark Bridges foi responsável pelo guarda-roupa de "O Artista", e acaba ganhar o Bafta pelo trabalho. Também criou os trajes de produções como "Magnólia" (1999), "A Pele" (2006 - esse figurino serviu de inspiração para a Gloria Coelho em seu inverno 2008 no SPFW), e "Boogie Nights" (1997 - um filme bastante citado recentemente graças a atmosfera 70's que assolou a moda). A Academia costuma gostar de premiar filmes "de época", no entanto, a figurinista da Madonna, Arianne Phillips (que veio ao Pense Moda ano passado), pode ser a pedra no sapato de Bridges. Ela concorre com "W.E.", o filme dirigido pela pop star que conta a vida de Duquesa de Windsor e já nasce no páreo de filme mais fashionista do ano. Ontem Phillips ganhou o prêmio de "figurino de época" do Sindicato dos Figurinistas, que costuma ser a prévia do Oscar.

Mark Bridges na 20º Exposição Anual de Figurinos do FIDM Museum em Los Angeles

Em um filme mudo a direção de arte e o figurino têm importância redobrada porque ajudam a substituir uma entonação de voz, e outros recursos utilizados na construção dos personagens. Em "O Artista" ambos são feitos de maneira brilhante, resgatando a inocência e as sutilezas visuais da Holywood de outrora. A ascenção de Peppy Miller (Bérénice Bejo) como atriz é demostrada pela posição em que seu nome aparece nos créditos dos filmes, e também pelo acréscimo gradual de fluidez, brilho, plumas e peles em seus figurinos. Os chapéus são outro indicador de crescimento. Já a decadência de George Valentin (Jean Dujardin) é explicitada por sua troca de figurino, do duo casaca e cartola, ao paletó com ares de estopa.

O diretor do filme Michel Hazanavicius disse à Interview que gostaria fazer um filme mudo para testar sua capacidade de contar uma história por meio de imagens. "Em seu modo mais puro", e também, refutar a ideia de que se tratam de narrações reservadas a cinéfilos e intelectuais "É o oposto. É sensual", afirmou. Afinal, vale lembrar que no início do século XX, o cinema era o principal veículo de comunicação de massa.

Bérénice Bejo (de Gucci), Jean Dujardin, e Michel Hazanavicius;

Foto: Steven Pan para Interview
A atriz e o diretor são um casal na vida real. Ela é argentina de nascença. Suspeito que ela estará no desfile de inverno Chanel em alguns dias. Ele dirigiu um filme chamado OSS 117: Lost in Rio, sobre um espião francês trabalhando no Rio de Janeiro.

"O Artista" é ambientado entre o final da década de 1920 até meados dos anos 1930, quando o cinema evoluiu do mudo para o falado. Foi uma época muito revolucionária para moda. Porque houve uma quebra de paradigma, nas formas, nos acabamentos. Foi quando as roupas ficaram realmente modernas e adequadas a intensa vida urbana que se desenvolveria dalí em diante, e consequencia de uma primeira pequena revolução no comportamento feminino. Ah! Outro filme cujo figurino retrata os anos 20 lindamente é "Meia Noite em Paris" do Woody Allen, também contemplado com indicações nesta edição da premiação da Academia (não figurino, infelizmente).

Na entrevista "O Artista por trás de 'O Artista'", concedida à Janet Kinosian do, Los Angeles Times, Mark Bridges contou como foi o seu trabalho no longa. Traduzo aqui:

O que você pensou quando leu pela primeira vez o roteiro e viu que seria um filme preto-e-branco e mudo?

Meu primeiro pensamento foi: "Ótimo! Pode ser um contraponto para essa geração do computador, todos esses recursos eletrônicos e novos padrões de 3D. Vamos voltar ao básico". E de fato ficou muito bom. Acho que estava pedindo para fazer algo do tipo.

Sua pesquisa foi mais fácil, uma vez que você iria filmar em Los Angeles?Eu tive oito semanas de pesquisa em L.A., e pude lançar mão de lojas de fantasia, alfaiates, modelistas e borbadeiras que trabalham com este prazo. Funcionou muito bem. Eu criei um livro repleto de fotos de referências para mostrar ao diretor, a equipe de arte e aos meus assistentes. Eu sempre faço isso nos meus filmes, e todo mundo gosta de ver.

Podemos ver em George Valentin (Jean Dujardin) e Peppy Miller (Bérénice Bejo) referências de astros do cinema mudo?

Eu e o diretor chegamos a mesma conclusão que a Peppy estaria para a Joan Crawford que começou na MGM em 1925. Primeiro com pequenos papéis. Foi ganhando espaço e conquistando o público. Ela despontou em "Our Dancing Daughters". E para o George usei fotos de John Gilbert, com o qual senti uma elegância similar e a mesma trajetória na carreira. Também usei fotos de bastidores do Douglas Fairbanks.

Como a ausência do som e a tela em preto-e-branco influenciaram seus figurinos?

Na verdade, o silêncio foi bastante libertador porque você não precisa mais se preocupar com os microfones roçando no tafetá ou pendurado nas jóias. Quanto as cores, eu tirei fotos em preto-e-branco dos tecidos para ver como eu imprimiriam na tela. O vestido que a Peppy usa no primeiro encontro com George é um laranja luminoso, mas aparece como aquele tom cinza médio maravilhoso, e eu construí o contraste com o colarinho e o chapéu cloche.

Figurinos em de "O Artista" em cores

Você também teve que criar o figurino de um filme preto-e-branco e mudo, dentro do filme preto-e-branco e mudo. Como você conseguiu?

Eu logo descobri que as texturas fariam a diferença e iriam contar a história. Você pode não notar de cara, mas se assistir ao filme uma segunda vez vai ver que o figurino do filme (dentro do filme) é um pouco mais opaco que o da vida real (dos atores no filme). E para comunicar isso no filme abusei de lantejoulas, miçangas, etc. Contando a história por meio de texturas, você desenvolve a linguagem de maneira relativamente rápida.

Michel (Hazanavicius) também queria valorizar o auge dos atores. Há muito contraste entre eles, e nos outros momentos eles ficam na média. Quando George está usando gravata e a casaca, Peppy está com um vestido valor médio. E no final quando Peppy o salva, está usando pele e um vestido em tom pastel. No momento do encontro na escada, quando ela está subindo na carreira, ela está de branco puro, e ele está descendo, seu figurino se mistura com o fundo do cenário. Assim, o contraste é uma forma de contar a história.

Quando você olhou os arquivos de roupas dos anos 1920s, o que mais te surpreendeu em relação ao período?

No guarda-roupa feminino foi o fato das roupas serem aparentemente simples e com os cortes extremamente complicados. Alguns vestidos que fizemos para Peppy a costura ia em três direções, o corpo reto as mangas em viés e a saia também em viés. Você nunca imagina isso para um vestido simples, muito simples.

***

Depois de ver "O Artista" lembrei da norte-america Penélope Umbrico, cujo trabalho conheci no ano passado. Ela resolveu brincar com a popularização da criação de fotos despejadas aos milhões diariamente em flickrs, instagrams e facebooks, e propor outros significados à elas. São tantas, mas tantas imagens que não são passíveis de observação, e tampouco há motivo para isso, tendo em vista que o objetivo da grande parte delas é auto-contemplação, e estão fadadas ao esquecimento na próxima atualização de timeline. Agora, brincando de crítica de cinema, considero que uma das "mensagens" de "O Artista", se relaciona com o trabalho da norte-americana a medida que relembra e pontua o valor precioso das imagens, e sua capacidade de contar histórias. Belas histórias.

Sobre as roupas...

2012-02-14T02:57:00.000-02:00

divagação rápida e sem figura para quebrar o jejum record do blog... Voltei.

Há muitos, e muitos anos atrás, as roupas eram deixadas no testamento. Uma família listava propriedades, jóias, casacos e vestidos. Um sobretudo durava algumas gerações. Quando o dinheiro estava em falta ele poderia ser penhorado, como um anel de ouro hoje em dia .

Numa sociedade da roupa, pois, a roupa é tanto uma moeda quanto um meio de incorporação. À medida em que muda de mãos, ela prende as pessoas em redes de obrigações. O pode particular da roupa para efetivar essas redes está estreitamente associado a dois aspectos quase contraditórios da sua materialidade: sua capacidade para ser permeada e transformada tanto pelo fabricante quanto por quem a veste; e sua capacidade para durar no tempo. A roupa tende pois a estar poderosamente associada com a memória ou, para dizer de forma mais forte, a roupa é um tipo de memória. Quando a pessoa está ausente, ou morre, a roupa absorve sua presença ausente.

Faz um tempo li esse simpático livrinho chamado “O Casaco de Marx” (Peter Stallybrass), de onde extrai o texto acima. Ainda que o autor não tenha pensado no advento frenético do fast-fashion, vale mais lembrar que todo mundo carrega com carinho uma peça que foi da avó, do avô, ou de ascendência mais antiga, né? Aí o mundo material se torna o afeto. Deixa de ser matéria e passa a ser memória.

Uma mala de viagem, por exemplo, dependendo do destino, e do seu objetivo, tudo que você precisa são roupas que aptas ao descarte sem remorso. Porém, em outras jornadas é preciso levar peças que façam você se sentir em casa.

Que poderosas são as roupas, não? Mudam os sentimentos num simples fechar e abrir de botões.

Voltando ao livro, fala precisamente da relação louca da roupa, como memória, matéria e mercadoria. E conta como Karl Marx, também no papel de pai, vivia penhorando seu casaco para dar de comer a família, e, claro, para continuar escrevendo suas teorias: Ontem penhorei um casaco que remontava a meus dias de Liverpool, a fim de comprar papel para escrever, confessou.

Pois é, quando uma situação é marcante lembramos da roupa que estávamos usando, ou do traje que outra pessoa que chamou atenção portava.

... Nas estradas do sul da Etiópia, onde o coração da África pulsa, as crianças de uma das tribos locais abordam os carros dos turistas falando “Hello, t-shirt” (Oi! Camiseta). Lá a roupa é uma moeda de troca, esmola, ou, inocentes do poder das roupas, um desejo inconsciente de construir uma memória diferente da que lhes já está traçada.

moda pra ler 6 anos

2012-01-05T15:14:00.005-02:00

No próximo dia 17 de janeiro, o Moda pra Ler completa 6 anos!

Como o tempo passa rápido, não? Antecipo a lembrança porque o blog fica em férias até fevereiro.
Antes do mundo acabar volto com novidades.
Feliz 2012 para os meus queridos leitores.

da série "viu como se faz?"

2011-12-22T18:42:00.000-02:00

Dezembro corrido, e mais um post da série "viu como se faz?", para não deixar o final do ano passar em branco.
O vídeo da revista Wallpaper mostra como a inspiração da designer de jóias Hannah Martin vira coleção. Feliz 2012!

Miles Davis, o stylist

2011-12-11T21:40:00.006-02:00

Miles Davis mostra seu guarda-roupa, 1971Foto: Anthony Barboza©

A moda conta histórias. Adoro bater nessa tecla aqui no blog. E a trama de hoje é protagonizada por Miles Davis (1926-1991).

Fui à exposição "Queremos Miles" que fica em cartaz até janeiro no SESC Pinheiros aqui em São Paulo. Para os amantes do célebre trompetista norte-americano, uma aula, com direito a partituras originais. Como apreciadora de jazz, mas leiga nas frenéticas regras de dó-re-mi-fa-sol-la-si-dó que envolvem o gênero, preferi olhar a mostra com os olhos da moda. E também vi em Miles Davis um ícone de estilo.

Um dos blogs do jornal inglês "The Guardian" fez uma interessante retrospectiva do guarda-roupa do jazzista ano passado, quando os 20 anos de sua morte foram lembrados:

Davis foi o homem mais bem vestido do século 20. No início de sua carreira ele já customizava ternos que comprava na casa de penhores Brooks Brothers. Fazia entalhes da lapela, como o Duque de Windsor. A partir de 1949 ele adota o estilo "Ivy League", apostando com força na alfaiataria européia. Nos anos 1960 ele prefere os ternos italianos slim-cut e mocassins. Ele sempre foi o mais estiloso no palco. Conseguiu manter a classe de sua jaqueta cáqui, mesmo suja de sangue, após o episódio de Birdland*. Na década de 1970, seu estilo acompanha a evolução funky do seu som, e como na música ele era o único homem que segurava uma calça boca-de-sino roxa e óculos de lentes hexagonais.

para continuar lendo o texto em inglês clique aqui

*No episódio de Birdland (1959), Davis se envolveu em uma briga e acabou preso. O motivo do conflito não era aparentemente forte para tamanha agressão. Ficou evidente que o motivo era racial.

O músico incorporou a sua comunicação visual mensagens de valorização a cultura afro-americana a partir dos anos 1960. Tudo a ver com com os fatos que marcaram a década, entre tantos, a luta e a morte de Martin Luther King e o movimento Pantera Negra.

Davis optou, por exemplo, por colocar modelos negras na capa dos seus discos. E seu visual também mudou. Deixou de lado o rigor da alfaitaria e começou a usar roupas mais hippies, muitos acessórios, a lá Jimi Hendrix, sem nunca perder o estilo e imprimir sua marca pessoal. A foto aí em cima, que integra a exposição, revela seu vasto guarda-roupa.

A exposição segue até o anos 1980, nessa época Miles adota o visual exagerado da década. Passa a usar jaquetas coloridas feitas em parceria com grandes nomes da moda como Gianni Versace.

Jaquetas de Miles Davis na Exposição do SESC Pinheiros

Em resumo: do jazz clássico dos anos 40, as batidas pop dos anos 80. Para cada cada novo elemento que agregava ao seu repertório musical, uma mudança de figurino. É certo que a a roupa dá uma forcinha na construção de um mito. Miles Davis sabia muito bem disso, e gostava.

wi-fi pra ver

2011-11-29T22:51:00.001-02:00

A Magazine + Rodarte

2011-11-23T13:56:00.003-02:00

A incrível revista A Magazine, "made in Antuérpia, será lançada em dezembro, com curadoria da Rodarte... aqui mais informações.

Vai fazer um ano que estive lá. Bateu saudades.

três visões sobre comunicação no mundo moderno

2011-11-06T16:42:00.009-02:00

Um chapéu para falar com você mesmo...

E outros dispositivos de comunicação para vestir. A artista, educadora e tecnóloga Kate Hartman cria obras pensando em estimular a comunicação.

Discurso no TED... com legenda em português

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Uma mesa que estimula diálogos...

"Aprender com os livros é algo que se pode fazer individualmente, mas o desenvolvimento desse aprendizado é algo que só pode ser feito por meio do debate com outros leitores. Aqui estamos pesquisando uma forma de promover debates inteligentes."

Para tanto, a mesa diante dele conta com microfones internos que registram de qual lado da mesa está ocorrendo a conversa. "Quando uma conversa começa a se parecer mais com um monólogo, a mesa intervém, mudando de cor", explica Kaplan

(matéria do Estado de S. Paulo. Leia aqui)

Essa mesa está na biblioteca Centro de Estudos Rolex, em Lausanne na Suiça.

conheça o prédio todo...

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A arquitetura e a falta de comunicação...

"Medianeras", um filme argentino que fala sobre dificuldade das pessoas se comunicarem nos tempos de internet.

sonhos e verdades da Rodarte

2011-10-25T12:14:00.009-02:00

Tem gente que se interessa por moda porque gosta de consumí-la. Tem gente que se interessa por moda porque a encara como um manifestação criativa. Nesse caso uma pergunta vem de brinde: moda é arte? Essa dúvida está longe de uma solução definitiva. Melhor assim. Enquanto há dúvida, há estímulo para encontrar a resposta.

Entre o compromisso criativo, e o comercial ganha quem consegue ter o melhor dos dois mundos. Parece ser o caso das irmãs Kate e Laura Mullevay, da Rodarte. O comercial para elas não é apenas a rota desfile na semana de moda de Nova York e venda no varejo, vem velado no empréstimo de sua expertise híbrida, em parcerias como uma coleção para a Target, para GAP e para a Open Ceremony, ou no figurino do corpo de baile do filme “Cisne Negro”, e na exposição no Rodarte: States of Matter, que ficou em cartaz no começo do ano no MOCA – Museu de Arte Contemporânea, de Los Angeles.

Kate e Laura Mullevay, da Rodarte, por Nan Goldin©

Elas passaram pelo Brasil, num evento da Revista Marie Claire que aconteceu no MUBE, aqui em São Paulo, no dia 24. Falaram sobre a trajetória da Rodarte e do mundo híbrido que as circundam. Nem Laura, nem Kate são formadas em moda, uma estudou História da Arte e outra literatura, ambas na prestigiada universidade de Berkeley, também na Califórnia. Aprenderam a costurar com a mãe, a artista plástica Victoria Mullevay. O nome da grife é vem de seu sobrenome de solteira. (vale lembrar que a grife Jack McCollough e Lazaro Hernandez fizeram a mesma brincadeira para nomear a Proenza Schouler).

A inevitável pergunta sobre “o que acharam sobre o Brasil?”, foi respondida por Laura de maneira auto-reflexiva. “O Brasil me fez lembrar porque gosto de morar na Califórnia”, nada pejorativo. Isso em função do clima solar que temos aqui. Ambas se encantaram com a arquitetura moderna do país.

Apresentação da exposição Rodarte: States of Matter

O amor pelo sol não é exatamente perceptível na aparência das duas. Tímidas, e muito branquinhas, não devem ser do tipo que se esbaldam nas praias de L.A. Trabalham muito. Além de criar tem que gerir a grife, pois ainda não estão ligadas a nenhum conglomerado de moda.

Ambas vivem em Passadena, e trabalham em Los Angeles. “Quando éramos criança, a Kate desenhava croqui de vestidos, e eu fazia a planta da casa”, relembra Laura. O trabalho em família é descrito como harmônico e complementar: “nunca temos ideias separadas”, diz. “A Kate é a cabeça do design”, complementa. “A Laura se preocupa muito em como o desfile, com a imagem da marca”, entrega a irmã.

As duas começaram os alinhavos em 2004. O dinheiro para abrir a grife veio de um espreme daqui, aperta dalí, e segundo Kate revelou à Revista Serafina, ela vendeu inclusive sua coleção de discos de vinil para criar a Rodarte com algumas peças. O caminho definitivo rumo aos estrelado começou depois de uma viagem à Nova York. Então, “o lugar mais exótico que já tinham ido”. O deslocamento rendeu uma matéria no site WWD, publicação referência para os fashionistas. Porém, os holofotes ganharam brilho extra quando as celebridades as descobriram. Nicole Kidman foi uma das primeiras. Kristen Dust e Natalie Portman são clientes VIPs.

Em 2008 ganharam o prêmio Swarovski na categoria moda feminina, dentro do CFDA e em 2009, a consagração absoluta, de melhor estilista de moda feminina, o principal do Conselho de Estilistas dos Estados Unidos. Em 2010 criaram os tutus do filme “Cisne Negro” de Darren Aronofsky, e ganharam as massas.

Para o figurino, tiveram liberdade total. “O balé tinha que ser muito visual. Darren pediu para fazer o que estava ao nosso alcance. Foi bem parecido como criar uma coleção, mas com a diferença de ter gente dançando com as roupas”, observa Kate. Os limites vieram de conversa com os próprios bailarinos. “Queríamos fazer uma coroa de metal, e eles nos alertaram sobre o desconforto do material”, relembra.

prova do figurino de Natalie Portman em Cisne Negro

Na passarela, os limites das irmãs são estipulados por elas mesmas, e pela complexidade das peças que criam. “Fazemos tudo à mão com uma equipe pequena, então, delimitamos o que pode ou o que não pode. Por vezes uma manga muito complexa, por exemplo, pode não valer a pena o esforço”, conta Laura.

Quatro modelos da coleção verão 2012 recepcionavam os convidados da palestra, e anteciparam por meio das estampas, texturas, modelagem e acabamento, o discurso que Laura faria com veemência a seguir: “Não vemos diferença entre arte e moda, é um diálogo continuo”. A coleção foi inspirada em quadros de Van Gogh, que estavam no Museu Norton Simon de Pasadena, mas também tem influência do “Jet Propulsion Laboratory”, laboratório da NASA também localizado na cidade. De pinturas e galáxias, a moda surge.

Paulo Borges, um dos entrevistadores perguntou às duas como estão encarando a crise econômica que afeta os Estados Unidos. Elas rebateram dizendo que como ainda são pequenas não sofrem tanto os efeitos da crise, e como nunca imaginaram chegar onde chegaram, estão prontas para as intempéries. Sobre a luta entre moda conceitual e a comercial Kate lança a frase mais impactante da palestra: “Por que não há mais sonhadores na moda?”.

Sonho e verdade (≠ realidade), são os segredos da Rodarte: “Quando começamos, ninguém botava fé que um vestido enorme, com tanto tecido, podia dar futuro. Sempre fomos honestas com nós mesmas e com o que queríamos fazer. E sabíamos que o que estávamos criando era diferente”, revela Laura.

entre estampas, flores e pássaros

2011-10-18T00:40:00.020-02:00

Continuando o post da Anunciação...

Pássaros, flores e cores são características dos desenhos da ilustradora Catalina Estrada, 36. Tais elementos são parte importante de suas memórias da infância em Medellín, na Colômbia onde nasceu e cresceu. Desde 1999 vive em Barcelona. Da capital da Catalunha desenvolve projetos para empresas do mundo todo.

Catalina Estrada

A grife goiana Anunciação é seu "freela fixo", bem como o projeto gráfico para agendas do escritor Paulo Coelho. Na moda, já criou estampas para o inglês Paul Smith, Camper, Zara, e tem uma linha de acessórios com seu nome. Gastei meu portuñol advanced para entrevistá-la:

Quando você era pequena já gostava de desenhar?

Sim. Sempre. A aula de educação artística era minha matéria favorita.

Quando descobriu que isso poderia ser sua profissão?

Sempre achei que estudaria artes. Não pensei em outra opção.

Hoje em dia você ainda desenha à mão?

Para os projetos comerciais sempre uso o computador. Trabalho com o Illustrator. Para as obras pessoais desenho sempre com tinta acrílica e aquarela.

Agenda Paulo Coelho

Como é a sua rotina?

Trabalho em casa. Sempre trabalhei em casa. Me levanto bem cedinho e já vou para o computador. Uso as manhãs para responder e-mails, e organizar os projetos que farei ao longo do dia. E pouco a pouco vou começando a trabalhar em cada um. Às 2h da tarde me encontro com Pancho, meu marido, e vamos almoçar juntos em algum lugar. Ele volta para seu estúdio, e eu para casa. Ele chega em casa sempre umas 7h. Trabalho até umas 8h30. Depois nós dois jantamos, em casa, ou fora, vamos ao cinema, ou encontramos os amigos.

Parceria com a Camper

Como divide seu tempo entre trabalhos pessoais e comerciais?

Acho que uso 70% do meu tempo para trabalhos comerciais, e 30% para trabalhos pessoais.

Quais foram seus trabalhos mais recentes?

Foram as ilustrações para a Anunciação, um projeto lindo para a prefeitura de Barcelona, e agora estou me dedicando aos produtos da minha marca, como malas, bolsas e roupa de cama.

Estampas para Paul Smith

Você é colaboradora constante da anunciação. Há alguma especificidade para criar desenhos que serão impressos em roupas?

As especificações são mais em termos de cores e elementos gráficos de composição. Isso em geral, mas tudo depende das necessidades que o cliente tem para sua coleção.

guarda-chuvas da linha Catalina Estrada

Cores, e personagens da natureza como pássaros e flores são constantes em seu trabalho. Por quê?

Durante a minha infância na Colômbia tive muito contato com a natureza. Creio que isso sempre caracterizou o meu trabalho. A natureza, as cores, boas energias, a luz e otimismo é o que me inspira.

***

Ao ver o trabalho de Catalina, me lembrei do exemplo da finlandesa Marimekko, que é uma grife de estampas. Seu trabalho não tem como primeiro suporte telas de pintura, ou o design em si, já começa aplicado em produtos de diferentes usos. Aqui no Brasil é comum estilistas recrutarem artistas visuais para decorar suas roupas, ou eles mesmos fazerem as vezes de ilustradores, principalmente quando se trata de licenciamento de produtos.

Como o preço por uma estampa digital, exclusiva, é alto, não são muitas as marcas que se propõe desenvolvem. Me lembro, assim, de bate-pronto de duas marcas (além da Anunciação) que têm um trabalho interessante no quesito estampas: a carioca Farm, e a paulistana Antix. No blog da FARM tem um post antiguinho explicando como uma estampa com jeito de "Onde está Wally?" (cheia de elementos), foi feita. Palpito que estamparia é um mercado com muito futuro no Brasil.

***

Gracias... Se Vira nos Quase 30 e dearquiteturas.

livro, bolsa, ação

2011-10-17T21:34:00.007-02:00

Divulgar coleções por meio de filmes está em voga no mundo da moda. E tudo fica melhor quando cineastas talentosos como Spike Jonze ("Adaptação", "Quero ser John Malkovich", "Onde Vivem os Monstros") estão no comando. O site Nowness publicou hoje a animação "Mourir Auprès de Toi" (morrer ao seu lado) que diverte e divulga as clutchs em forma de livros da designer francesa Olympia Le-Tan.

livro-bolsa,

o filme,

Spike Jonze: Mourir Auprès de Toi on Nowness.com.

o making of,

Making Mourir Auprès De Toi from simon cahn on Vimeo.

anunciada e estampada

2011-10-15T18:58:00.021-03:00

"Anunciação", na Bíblia, é a notícia que o Arcanjo Gabriel traz à Virgem Maria, sobre seu magnânimo destino. "Anunciação" também é o nome de uma música que começa assim: “Na Bruma Leve das paixões que vêm de dentro”. É do Alceu Valença. Na Oscar Freire, algumas carpas nadam na vitrine da loja cujo nome não foi inspirado na canção do músico pernambucano e nem na mãe mais famosa do mundo. “Comecei a marca com outro nome, como já tinha outra empresa usando coloquei ‘Anunciação’, mas acho ótimo ter uma música com o nome da grife”, diverte-se Maria Elvira Crosara, 45, estilista e dona da Anunciação, criada em Goiânia em 1988.

Nascida em Porto Alegre, de família mineira e radicada em Goiás, a designer comanda a grife que tem como marca peças atemporais e muito estampadas. A fiel escudeira dos desenhos é Catalina Estrada, ilustradora colombiana estabelecida em Barcelona.

Graças as Catalina, o trabalho de Elvira chamou a atenção da socióloga espanhola Laura Eceiza e ela é um dos 69 estilistas entrevistados no livro “Altas of Fashion Design” (Ed. Rockport, 2008). Isabela Capeto, Karla Girotto e Inácio Ribeiro (da Clements Ribeiro) são os outros representantes nacionais da lista.

A seleção da socióloga espanhola é notória porque não prestigia somente os figurões mais que manjados da moda, ainda que o livro dedique espaço mais que merecido para Alber Elbaz, Margiela e Karl Lagerfeld. É bem estimulante ouvir sobrenomes fora do circuito Helena Rubistein. Por lá é possível encontrar entrevistas com designer de moda vindos da Ásia, da Escandinávia, e de Goiás. O objetivo do livro é esse mesmo: ir além dos epicentros da moda. Variedade é sempre bem vinda. Afinal, quem viveu no planeta terra nos últimos meses deve estar cansado das listras tropicais da Prada e do color block da Gucci. Tendências atualmente ubíquas nas vitrines brasileiras.

Por Skype Elvira falou sobre a Anunciação ao Moda pra Ler:

Em sua entrevista no livro “Atlas of Fashion Design” você recomenda o livro “The Guatemala Raibow” do fotógrafo Gianni Vecchiato à todos os estilistas. A Catalina Estrada é colombiana e tem desenvolve um trabalho muito colorido. Você considera que a marca tem uma carinha latina?

Acho que sim, mas não é pensado. É uma interpretação de tudo que observo.

Você costuma viajar para países latinos para fazer pesquisa de coleção?

Você acredita que nunca fui pra Guatemala, nem pro México? Sempre penso nesses países, mas acabo indo para outros lugares. Não faço viagens para pesquisar coleção, mas não tem jeito... De uma forma ou de outra quando sempre volto com alguma ideia para a marca. Viajamos, eu e minha família, de férias pra Austrália. A última coleção tem alguma coisa do que vi por lá certamente.

verão 2012

Como começou sua história da moda?

Fui estudar joalheria em Florença. E comecei a ter muito contato com moda e comprar muitos livros sobre o assunto. No meio do curso cheguei a pensar a mudar de área, voltei ao Brasil já pensando em retornar à Itália para estudar moda. Comecei a criar algumas peças e acabei postergando a viagem. Esse período coincidiu com a abertura do curso de moda na Universidade Federal de Goiás e onde me formei na primeira turma.

Catálogo em vídeo para o inverno 2011

A marca tem um estilo bem definido, né?

Sim. O público reflete isso. As clientes são de todas as idades. São pessoas que buscam esse estilo. Fui criada no meio de avó costurava e bordava. Esse apego pelo trabalho artesanal está no sangue.

E a parceria com a Catalina Estrada como surgiu?

Sempre gostei de estampas. Uma amiga me apresentou o trabalho da Catalina (Estrada) e amei. Entramos em contato e tudo começou em 2007. Desde então se tornou colaboradora constante. Estou acostumada com ela.

estampa e vestido verão 2012

Você está aqui no Brasil, ela na Espanha, como desenvolvem o trabalho?

Trabalhamos basicamente trocando e-mails. Eu escrevo em português, e ela me responde em espanhol. Nos expressando em nossas respectivas línguas fica mais claro o que eu quero e o que ela quer. Ela desenvolve duas ou três estampas por coleção. Desmembro os desenhos, com o consentimento dela, claro, e aplico de diferentes formas nas peças.

Desenvolver estampas exclusivas no Brasil é um processo caro, né?

A Catalina ficou minha amiga então ela cobra menos (risos). É super difícil trabalhar com estampa exclusiva. O desenvolvimento é muito caro. A diferença de preço entre uma peça estampada e uma lisa é muito grande. Limitamos em 50 o número de cada peça estampada.

verão 2011

Você tem sua confecção em Goiânia. Encontra alguma dificuldade por estar baseada fora do eixo Rio-São Paulo?

Aqui em Goiânia é muito bom para trabalhar. Temos um grande polo produtivo. As confecções daqui são mais populares, mas tem muita mão de obra. A internet facilitou muito as negociações com clientes, e além disso estou sempre em São Paulo porque a nossa única loja fica na Oscar Freire.

A loja tem uma vitrine bem diferente com manequins suspensos sob um espelho d´água com carpas. O projeto é do diretor de arte Gringo Cardia, como você teve a ideia de contratá-lo?

Eu tinha visto o trabalho dele em umas capas de discos da Maria Bethânia, e ele é arquiteto, então primeiro sondei ele. Num primeiro momento o projeto não aconteceu porque estava envolvida com a produção de uniformes. Quando decidi me dedicar só à Anunciação resolvi retomar a conversa com o ele. Queria ter uma loja-conceito. As carpas eram só para a inauguração, mas acabaram ficando.

O que te inspira ultimamente?

Dança. Andei pesquisando muitos figurinos de balé. Acabei de criar o figurino para a duas coreografias da companhia Quasar Jovem (filhote da prestigiada Quasar), "Pomar” & “Por si mesmo" (apresentados nos dias 01 e 02 de outubro em Goiânia). Em “Pomar” a referência foi o quadro “Jardim das Delícias Terranas” do (Hieronymus) Bosch. Minha pesquisa foi mais nos figurinos de dança contemporânea.

....Continua. No próximo post, entrevista com a ilustradora colombiana Catalina Estrada.

nove décadas e um museu

2011-10-05T11:34:00.003-03:00

A Gucci comemora 90 anos com direito a um museu em Florença.

Aqui a entrevista que fiz com a Frida Gianinni, diretora de criação da marca, pra Elle, em que ela fala do museu.

PENSE MODA 2011

2011-10-03T16:56:00.005-03:00

Amanhã começa o Pense Moda. O evento que sempre promove discussões relevantes para o mundo fashion comemora cinco anos e mudou de endereço. Agora no MUBE traz os gringos: Arianne Philips, figurinista e stylist da Madonna; Cécile Coulout, a gerente de coleções de acessórios da Lanvin; e o talentoso estilista Phillip Lim.

E na quinta-feira (05/10) também acontece o lançamento do livro "Glamour", de autoria da lendária Diane Vreeland e haverá um bate-papo entre a consultora de moda Gloria Kalil e o editor Charles Cosac, da Cosac & Naify, editora da versão nacional do livro.

ó o videozinho de divulgação do evento:

crédito do vídeo: Super Produções

Ano passado fiz a cobertura oficial do Pense Moda: vale a pena relembrar

textos feitos durante o festival de fotografia, Paraty em Foco

2011-09-28T09:27:00.008-03:00

A moda é um caldeirão de inspirações, né? Às vezes um jargão vai bem para explicar um post que não é exatamente sobre moda ;).

Fui ao 7º Paraty em Foco, o Festival Internacional de fotografia na última semana, e percebi de fato que artistas, fotógrafo e videomaker são uma coisa só hoje em dia. Outra coisa: quando a gente fala da tal arte contemporânea, apenas ver as obras limita muito nossa compreensão. Como, em geral, são trabalhos que englobam muitas referências, foi uma grande oportunidade ver os próprios autores se explicando.

Eis uma seleção de textinhos que fiz para o blog do evento:

Em cartaz na Galeria Facebook

Trabalho da fotógrafa cearense Laís Pontes sobre estereotipos femininos e a percepção da pessoas manifestada na rede social

Quase Íntimo: Evan Baden

O jovem artista norte-americano lança um olhar muito peculiar sobre o comportamento sexual dos jovens e as manifestações na internet.

Feminino Futuro: Olivia Arthur

Inglesa, e integrante do seleto grupo de fotógrafos da Agência Magnum, Olivia gosta de contar as histórias das mulheres do oriente.

Sempre Futuro: Miguel Rio Branco

Uma espécie de João Gilberto (ou Dr. House) da fotografia, é um dos maiores artistas da atualidade. Em plena atividade, ele compartilhou suas inquetações.

As frases de Willy Biondani
Um veterano da publicidade, o fotógrafo e diretor de filmes deu conselhos valiosos aos jovens. Ah! ele já fez muita foto pra moda também.

Sonhos de Penelope

A artista norte-americana parece a Edna Modas do desenho "Os Incríveis", mas quando se trata de criar seu negócio é praticar a reciclagem de imagens. Em um mundo povoado por bilhões de fotografias ela pratica uma atitude sustentável.

imagem do dia

2011-09-16T23:04:00.012-03:00

Vi na SP Arte Foto essas fotos da artista Patricia Kaufmann (Guaratinguetá, SP 1962).

A modelo é a Barbie. Desde 2005 Kaufmann propõe novos significados para a boneca mais polêmica, e amada, da história. Em seu site há outras obras em que a Barbie serve como plataforma criativa. Como esta aqui:

"Barbie Pós-Crise"©

ensina a fazer renda

2011-09-08T19:01:00.008-03:00

Já que só falo de eventos que acontecem em São Paulo, chegou a hora de me redimir. Recebi a divulgação de uma oficina de renda renascença em Botucatu, interior de SP.

olha só:

Oficina de Renda Renascença

Dia 9 / sexta – das 14 às 18 horas (hoje, corre!)

Dia 10 / Sábado- das 9 às 18 horas

Objetivo: Introduzir à renda renascença: técnicas e pontos, insumos, confecção de almofada e desenhos. Confecção têxtil com a renda. Material incluso

Espaço Tudo a Mão:Rua Reverendo Francisco Lotufo, 652 (entre Prudente de Morais e Campos Salles)Centro - BotucatuTelefone: 14 3354 8427

Mais infos: aqui

O Espaço é comandado pela Silvia Sasaoka, com quem já fiz uma entrevista aqui no blog.

***

pra ler:

Com o Brasil em franco desenvolvimento econômico é hora de cuidar para que o fazer da renda não desapareça, e mais, se atualize, e seja incorporado de uma maneira natural, não folclórica, à industria de moda.

Um caminho para manter esse (e outros) conhecimento vivo está relatado no livro "Desenho de Fibra: Artesanato Têxtil no Brasil" (ed. SENAC 2011). Trata-se de um relato em primeira pessoa das experiências que o artesão Renato Imbrosi realizou com comunidades espalhadas pelo Brasil, quase todas desenvolvidas em parceria com o Sebrae de cada estado.

Com ênfase nos trabalhos de cestaria, bordado, crochê, renda e tecelagem, ele mapeou as comunidades, suas habilidades, e explicitou seu método de atuação com cada uma. Os relatos das andanças de Imbrosi foram escritos em parceria com a escritora Maria Emilia Kubrusly.

***

ah! um ponto que achei interessante e que se refere ao título do livro. Quando os autores se referem ao "Desenho" estão pensando em "design", ou seja, termo ligado a criação.

Segundo a etmologia, a palavra design traz referências no campo do designio, intenção, arranjo, estrutura. Sua origem latina, designare, expressa ao mesmo tempo tanto o verbo designar quanto o verbo desenhar. Simultaneamente, traz a intenção de projetar/ conceber e configurar/ formar.

Vale notar que o português não traduziu a palavra, como no espanhol, por exemplo: desenho= dibujo, design=diseño. Hoje em dia o termo está tão vulgarizado, né? Usamos design até para explicar a habilidade de tirar sobrancelha. Design é coisa séria. Quando bem feito facilita e embeleza nossa vida.

Você pode deixar o comentário sobre esse post também em http://www.facebook.com/modapraler

os copos do Kaiser

2011-09-06T21:52:00.010-03:00

Taças de cristal são a mais nova empreitada do criativo Karl Lagerfeld. A linha "Orrefors by Karl Lagerfeld" chega às lojas neste mês com preços que variam 75 e 220 euros cada.

A Orrefors é uma empresa sueca especializada em cristais, desde 1898, além de ser reconhecida mundialmente pelo luxo quando o assunto são os vidros soprados (acho lindo o processo de fabricação, parece mágica!). O desenho sugerido pelo todo poderoso da Chanel foi super de encontro a tradição das linhas limpas do design escandinavo.

Palmas para esse alemão que realmente consegue se renovar a todo instante. A surpresa da criação fica a cargo do que ele chamou de "coupette". O próprio Lagerfeld conta o que é na entrevista que traduzi da Architectural Digest, feita pela Dana Thomas. E mesmo com assumida falta de modestia do kaiser, vai ser difícil não admitir: "como ninguém pensou nisso antes"?

AD: Agora Karl Lagerfeld tem uma linha de acessórios de casa?

KL: Eu quis desenhar taças que teria em minhas casas. Alguma coisa que eu nunca havia feito. Simples assim. Eu falei para a Orrefors: “Estou apenas interessado nisso. Vocês se interessam?”. Eles se interessaram e aqui estão as peças.

AD: A Chanel aceitou a parceria sem problemas?

KL: Eu faço o que eu quero. Exclusivité é muito démodé

AD: Você até ajudou a desenhar as embalagens?

KL: Foi um “o conceito total”. Foi muito prazeiroso trabalhar com a Orrefors. Muitas empresas tem muitos “chefinhos” que tornam o trabalho mais difícil.

AD: Você foi para Suécia para desenvolver o trabalho?

KL: Não fui para lugar nenhum. Eu fiz os croquis, algumas ligações telefônicas e pessoas me visitaram. É mais divertido vir a Paris.

AD: Por que a paleta de cores limitada?

KL: Eu sou uma pessoa preto-e-branco. Alguns cinzas, alguns rosas sujos, nada de rosa vibrantes. Nunca fui um obsessivo por cor, não sei explicar porque. Eu queria ser ilustrador quando era pequeno. Preto-e-branco sempre parece moderno.

AD: Cada taça vem com porta-copo que você chama de “coupette”.

KL: Os copos destroem a superfície da mesa. Quando você está tomando cerveja por exemplo, sempre apóia o copo em um guardanapo ou num pedaço de papel. Agora temos essa base para as taças. Todas as peças têm o mesmo diâmetro na base, assim servem para a linha completa. Não entendo como ninguém pensou nisso antes.

Aqui o vídeo, em inglês, em que Lagerfeld, com seu humor peculiar, explica seu trabalho:

Orrefors by Karl Lagerfeld from Orrefors on Vimeo.

***

pra ler:

Se a Dana Thomas que assinou a matéria for a mesma Dana Thomas, autora do livro "Deluxe: Como o luxo perdeu o brilho" (ed. Elsevier, 2008), é uma expert no mundo do luxo.

O texto é obrigatório para quem se interessa pelo assunto. Para escreve-lo ela percorreu vários países atrás de respostas sobre o que é o luxo no mundo de hoje. Esteve inclusive aqui no Brasil. Foi à Daslu pesquisar.

alguns riscos e está pronto um casaco

2011-09-05T20:11:00.005-03:00

Fui visitar a exposição "Saul Steinberg: as aventuras da linha" na Pinacoteca, aqui em SP. Saí com um sorriso no rosto. Seus desenhos são lindos, divertidos, e, aparentemente, simples.

O trabalho do romeno Steinberg (1914-1999) ficou conhecido graças a colaboração de quase 60 (!) anos para a revista New Yorker, prestigiosa publicação norte-americana, referência absoluta para cartunistas e ilustradores.

Achei que valia colocar a dica da mostra aqui porque adorei a maneira como ele representa as roupas, sapatos e chapéus em seus trabalhos, reparem:

E aqui um vídeo do Instituto Moreira Salles, em que cartunistas famosos, como Ziraldo e Jaguar, comentam a importância do trabalho de Steinberg...

100 anos de moda em 100 segundos

2011-09-02T18:56:00.000-03:00

***do FB da Sassá

Agnès das artes

2011-08-23T01:26:00.006-03:00

A marca Agnès b. é conhecida por ter aquele estilo básico com o je ne sais quoi da moda francesa. E a inspiração da dona da grife, Agnès Troublé, certamente deve vir das artes. Ela é colecionadora de arte e ainda mantém o espírito de mecenas*. A empresária apostou, por exemplo, no, hoje, top fotógrafo, Ryan McGinley, no início de sua carreira. Ela também comanda a Galerie du Jour em Paris, onde já realizou exposições da aclamada fotógrafa Nan Goldin, e abre o espaço para jovens artistas.

Sua nova empreitada é uma loja/galeria no Soho em NY, na qual vai importar o espírito da matriz francesa. A loja inaugurada há pouco, abriu com a mostra “Certain Young French Photography and Drawings" e dez artistas (sete fotógrafos) estão no páreo de Agnès.

Marc Cellier©

Luna Picoli-Truffaut©

Nicolas Dhervilliers©

*aqui no Brasil a prática de financiar artistas acontecia. Não era uma tão habitual como na Europa, contudo há mecenas históricos como Yolanda Penteado, na década de 20 do século XX. Hoje a benfeitoria caiu em desuso em função das leis de Incentivo a Cultura, em que os empresário ganham desconto no imposto se financiarem algum projeto cultural.

Livros sobre vestidos

2011-08-14T22:00:00.008-03:00

Dois livros publicados recentemente falam sobre vestidos…

"Cinquenta Vestidos que Mudaram o Mundo"
Ed. Autêntica

Tradução de um dos volumes da série "50 ___ que mudaram o mundo", publicação do Design Museum de Londres. O livro é bem prático e didático: na página esquerda fica um texto contando um pouco da história do criador do vestido e do próprio, do outro, a foto de referência. Do Delphos Plissado de Mariano Fortuny (1915), ao feito com LED do Hussein Chalayan (2007), vestido-a-vestido, é possível visualizar a evolução da moda e todos os elementos que a compõem: comportamento, tecnologia, estilo, criação. Eis alguns exemplos:

Vestido Delphos Plissado, Mariano Fortuny, 1915

até hoje ninguém conseguiu reproduzir essa técnica

Vestido de Deusa, Madeleine Vionnet, 1931

Inspirada na Grécia Antiga, a mestra do corte em viés conseguiu criar as mais perfeitas formas fluídas.

Vestido Rosa-Shocking, Elsa Schiaparelli, 1947

A mais artista entre os estilistas de sua época, nesta peça Schiaparelli brinca com os clichês da representação feminina.

Vestido da coleção Moon Girl, André Courrèges, 1964

O vestido feito de plástico sintetiza o avanço tecnológico e espacial da época. Como não revela a silhueta feminina aponta uma mudança de comportamento da mulher.

Vestido Mondrian, Yves Saint Laurent, 1965

Já esse vestido também segue a onda da geometria do anterior, mas com outro viés: "Agora, moda poderia também ser arte", diz o livro.

Vestido de Malha Listrado, Missoni, 1974

O casal Missoni deu outra dimensão às roupas feitas em malha graças a colorida estamparia.

Vestido Comme des Garçons, Rei Kawakubo, 1981

Na moda, os anos 80 foram revolucionados pelos estilistas japoneses,. Uma das líderes da revolução foi Rei Kawakubo da Comme des Garçons. Ela e seus conterrâneos propunham a desconstrução da roupa, se contrapondo, assim, ao visual carregado e colorido vigente no período.

Vestido Bandagem, Hervé Leger, 1989

O estilista causou polêmica ao criar esse vestido que molda totalmente o corpo feminino. Uma mistura de espartilho com múmia. Foi relançado em 2008 e caiu no gosto das celebridades.

Vestido Pleats Please, Issey Miyake, 1993

O vestido com efeito sanfona é resultado do incansável trabalho de pesquisa do estilista japonês. Os plissados definem o contorno do corpo e criam formas volumosas, que se modificam conforme os movimentos.

Vestido Samurai, Alexander McQueen, 2001

McQueen deixou um grande legado quando o assunto é vestido. A escolha deste modelo específico aconteceu porque, nele, o inglês soube unir muito bem a referência da tradicional vestimenta oriental, sensualidade, técnica e luxo.

Vestido de Led, Hussei Chalayan, 2007

Chalayan gosta de olhar para o avanço tecnológico em geral, seja na arquitetura, na elétrica, na robótica, e, buscando sempre a inovação, as adaptas para suas criações. Com este vestido ele inaugurou uma nova era de possibilidades para a moda.

***

"Vestidos para lembrar e uma história para contar"
Autora: Lais Fontenelle Pereira/ Ilustradora: Sara Goldchmit
Ed. Estação das Letras e Cores

(fotos gentilmente tiradas pela @anapaulacampos)

Esse é um livrinho infantil que conta a história de vestidos que passam de geração para geração, acumulam histórias e ganham novos significados pelo caminho. As ilustrações são lindas.

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prata da casa

2011-08-14T21:19:00.005-03:00

Falando em design de jóias em prata, vale a pena dar uma olhada nesses nomes também...

Design de Marina Sheetikoff©

Aurea Sacilloto
Frequentadora assídua de galerias de arte, Aurea Sacilloto, 51, começou a se dedicar a joalheira com o intuito comercial em 2005. Pinturas e esculturas são suas principais inspirações. A primeira coleção foi baseada no concretismo. O trabalho de seu sogro, o artista plástico Luiz Sacilloto é um grande referência. "Gosto da prata como linguagem. É moderno fácil de usar. Não tem o perigo de ouro. E por ser mais barato, te permite maiores experimentos. Fico com menos medo de errar", afirma.

Vende em lojas de museus como o Instituto Tomie Ohtake, Instituto Moreira Salles e o Museu de Arte Brasileira na FAAP
Site: http://www.temperadesign.com.br/joias/

Helene Afanasieff
Ter uma peça da designer é realmente um luxo. Suas vendas estavam restritas ao seu círculo de amigos. Há um ano ela resolveu abrir o ateliê e atender com hora marcada. A Helene Afanasieff, 67, é esposa do arquiteto vencedor do premiado Pritzker, Paulo Mendes da Rocha, e desenvolve jóias há 25 anos. Ela, que também é arquiteta, gosta de se inspirar na geometria e nas formas da natureza. "O processo de produção te dá uma certa autonomia. Foi isso que me seduziu", confessa Afanasieff que gosta de terceirizar o mínimo possível o feitio de suas peças.

Vendas somente no ateliê com hora marcada:
Tel.:(11) 3255.3901
e-mail: heleneff@uol.com.br

Marina Sheetikoff
Marina Sheetikoff, 49 anos, já desenvolveu peças para as grifes Ellus e Maria Bonita Extra. Suas jóias tem tiragem máxima de 10 peças. No entanto abre exceções para as tiaras de prata, um hit entre as noivas modernas. "Trabalho com prata há 16 anos e sempre gostei flertar com a industria, e pesquisar novas tecnologias", analisa. Além da tiara desenvolve peças inusitadas como uma asa para colocas no calcanhar e um suporte para dobrar a manga da blusa em forma de carta de baralho.

Site: http://www.marinasheetikoff.com.br

Pandora
“Hoje em dia as pessoas misturam o ouro e a prata em uma mesma peça, fica mais divertido”, comenta Denise Ascher, Diretora de Marketing da Pandora no Brasil. A joalheria dinamarquesa com foco na prata chegou ao Brasil há um ano e meio, e já conta com seis pontos de venda. A grife oferece aos clientes a opção de montar pulseiras e brincos personalizados com variações de contas e pingentes. A marca oferece limpeza gratuita das peças em suas lojas.

Site: http://www.pandora.net

aqui uma galeria de fotos com o trabalho de todo mundo...

coelhinha designer

2011-08-09T00:28:00.010-03:00

Quando se estuda e trabalha com moda há um tempo às vezes, assim, de repente, tudo se conecta. Basta uma referência para desenrolar o novelo da memória. Graças a uma matéria que escrevi sobre prata olhei com mais calma para a figura da italiana Elsa Peretti, uma das designers de jóias da Tiffany & Co. desde 1974.

A famosa pulseira Bone Cuff

Antes de desenhar para a joalheria da bonequinha de luxo, Peretti foi modelo. Hoje uma bela senhora de 71 anos, quando jovem era dona de uma beleza elegante. Adorava peças do guarda-roupa masculino. Contudo, também é fã dos vestidos da Halston*. Foi grande amiga do fundador da grife. A marca que ficou famosa nos anos 70, era o uniforme do lendário clube noturno Studio 54, em Nova York.

O inglês tem uma palavrinha simpática para definir essa sensação de conexão cerebral feliz: "serendipity". Pode ser traduzida como encontro feliz que acontece por acaso. E foi assim resgatei um simpático livro "Private Property" de fotos do Helmut Newton que comprei há uns quatro anos. Por quê?

A coelhinha que protagoniza a lendária imagem do fotografo alemão é ela, Elsa Peretti.

* A Halston voltou ao mercado em 2007, e contratou Sarah Jessica Parker como consultora criativa, porém ela deixou o cargo em julho, a grife ganhou um novo CEO, mas ainda está sem diretor criativo

bactérias tecelãs

2011-08-04T12:18:00.013-03:00

Imagina vestir uma roupa feita de microoganismos vivos? A estilista inglesa Suzanne Lee desenvolve um projeto chamado BioCouture, nada de teares, ela utiliza matéria orgânica e bactérias.

Olha o resultado:

A base para o tecido é o kombuchá. Os microoganismos criaram naturalmente um tecido de celulose graças a um processo de fermentação. Não entendeu nada?

Tudo fica mais claro na palestra que a própria designer proferiu no TED em maio deste ano (com legenda em português).

Suzanne Lee é um estudiosa do futuro das roupas. Ela é autora do livro "Fashioning the Future: Tomorrow's Wardrobe" (Thames & Hudson, 2007).

É bom ficar de olho nela.

google e as jóias, de novo

2011-08-04T01:16:00.006-03:00

Depois do Calder. Agora foi a vez do Google lembrar que hoje seria o 102º aniversário de Roberto Burle Marx. Na hora veio na cabeça a linha de jóias que a H.Stern lançou neste ano em homenagem ao arquiteto e paisagista. As peças foram desenvolvidas com base em croquis deixados por ele.

Aqui as jóias...

Aqui os desenhos publicados no catálogo da joalheria:

Miu Miu, e... ação!

2011-07-30T15:14:00.013-03:00

Miuccia Prada convocou a cineasta argentina Lucrécia Martel (conhecida pelo filme "Menina Santa" 2004) para dirigir o curta "Muta" que divulga a coleção outono/inverno 2011 da Miu Miu. Em um clima soturno mulheres muito bem trajadas em vestidos da grife transitam por vários ambientes de um barco que navega por um caudaloso rio.

A Prada e a Miu Miu, assim como outras grifes, têm ampliado a experiência de comunicação para além dos lookbooks e dos catálogos, apostando no formato curta-metragem. Miuccia e sua equipe têm um bom faro para talentos fora do mainstream e andam entregando seus projetos na mão de diretores de linguagem bem marcada, que agregam ao natural hype da Prada, um toque de conceito.

Verão 2011 Miu Miu Dir. Zoe Cassavetes

„The Powder Room” von Zoe Cassavetes für Miu Miu from Nahtlos! Das Lifestyle Blogzine on Vimeo.

Ah! No site da Prada é possível ver os filmes d projeto Yo Vídeo! Com a bolsa Yo-Yo (outono/ inverno 2010) como tema oito jovens cineastas criaram suas películas.

***

A dica do novo filme da Miu Miu foi da Bia ;)

Amy, a dona de um estilo

2011-07-27T21:17:00.021-03:00

Heidi Slimane©

No mundo da moda consumimos Amy Winehouse a exaustão lá pelos idos de 2007 e 2008. O álbum "Back to Black", lançado em outubro de 2006, certamente embalou redações de veículos de imprensa por meses. Revistas, sites, programas de televisão reproduziram o visual pin-up da cantora em editoriais ou matérias. No you tube pipocam tutoriais de maquiagem que ensinam a reproduzir seu “make” .

A modelo brasileira Isabeli Fontana encarnou Amy Winehouse neste ensaio para Vogue Paris em fevereiro de 2008, clicado por Peter Lindbergh©

Campanhas publicitárias também a fagocitaram. Até a Chanel se rendeu. Karl Lagerfeld, era fã da cantora e com seu toque de midas disseminou a “Amymania”, quando na coleção de outono inverno 2008 propôs um look inspirado na diva.

Março de 2008: Amy no auge, entre Karl, as gêmeas Olsen e Bernard Arnault, o todo poderoso da LVMH

Chanel outono-inverno 2008

A modelo canadense Coco Rochas encarna a Amy delux da Chanel

Aqui no Brasil, serviu de inspiração para o catálogo da joalheria Guerreiro:

Magra, tatuada, com um cabelo escuro e muito volumoso no topo da cabeça, franjão, ostentava traços generosos de delineador nos olhos. Preferia saias, vestidos, shorts curtos e decotes. Gostava de marcar a cintura. Seu visual foi tão difundido que virou opção para festa a fantasia.

Ela se tornou um ícone fashion, sem precisar do respaldo grandes estilistas. Se formos analisar isoladamente, as roupas de Amy não tinham nada de inovador. Mas o visual se tornou genuíno porque somava a ingenuidade e juventude de uma menina em seus 20 e poucos, com o poder e a sensualidade de sua voz rouca.

Terry Richardson©

É indiscutível que a vitalidade vocal e a personalidade de Amy explodiram como uma bomba mundo da música e da moda, ambos sempre ávidos por unanimidades. Ultimamente, quando aparecem são moldadas por jogadas de marketing, clipes polêmicos, figurinos extravagantes. Têm seu valor de imagem, sim, porém, lhes faltam alma. Vozes como a de Amy, carregadas de emoção, e de inquietude, são raras.

Heidi Slimane©

Não fui uma devota de Amy, contudo, quando conheci seu trabalho incluí-la na lista de cantoras completas. Além da voz poderosa elas têm outras qualidades: sabem escolher repertório e bons músicos para acompanhá-las.

(Confindencio aqui que a minha lista é encabeçada por Elis Regina. Adoro ver suas fotos e shows, cabelo curtinho e sorriso sincero. Contudo, o que me impressiona toda vez que escuto é sua capacidade de cantar dando risada, chorando, ou com a respiração se esvaindo para dar ritmo dramático a música. E isso sem nunca desafinar uma nota. Também uma unanimidade. Também intensa).

É triste Amy morrer prematuramente, e vítima de suas próprias atitudes. Ao mesmo tempo, quando acontece uma tragédia dessas sempre se levanta a questão:

quanto a necessidade sádica que a sociedade tem de se divertir com a vida dos outros, e com desgraça alheia, afeta personalidades sensíveis e transparentes?

Parecia ser o caso de Amy Winehouse. E pra piorar a situação ela nasceu na Inglaterra, país exportador da imprensa sensacionalista. Basta ver o atual escândalo envolvendo o News of the World para ter uma noção do perseguição implacável que a cantora sofria. Sua produção musical foi minguando e acabou ofuscada pelas suas noitadas e preferências narcóticas.

Amy Winehouse não morre imaculada, mas deixa um legado de estilo. E haverá rivals. Unanimidades se tornam clássicos.

***

A cantora M.I.A. outra garota cheia de estilo gravou uma música chamada "27", em homenagem a todos aqueles talentos que partiram com essa idade. Para ouvir clique aqui.

evento

2011-07-26T16:27:00.005-03:00

Fui ao supermercado e descobri que está acontecendo no Shopping Frei Caneca o "Inspira Mais", evento voltado ao setor calçadista. É aberto ao público... parece uma boa oportunidade.

e o google lembrou...

2011-07-22T02:15:00.007-03:00

... que o artista Alexander Calder, famoso pelos móbiles, faria 113 anos hoje.
Sabia que ele desenhou jóias lindas? Clique aqui

química na moda

2011-07-19T23:58:00.006-03:00

Sempre achei que a Tabela Periódica tinha um "design" interessante. Lembrava sempre do tetris, o joquinho de computador. E não é que ela deu uma boa estampa?

Camiseta Hotel Tees

... bom, talvez por isso a matéria não era exatamente a minha especialidade.

Só pra lembrar: o químico Dimitri Mendeleev , nasceu na Sibéria, estudou em São Petesburgo, e conseguiu montar o quebra-cabeça dos elementos inorgânicos e seus números de massa atomica na famosa tabela. O trabalho foi publicado em 1869. Ah! 2011 é o Ano Internacional da Química.

Bom Retiro, sem compras

2011-07-19T22:23:00.006-03:00

O Bom Retiro reserva, além de boas pechinchas de moda, muita história. A expo "Bom Retiro e Luz: um roteiro, 1976-2011" no Centro da Cultura Judaica oferece a segunda opção. Conhecido como bairro judeu, e agora também coreano, traduz as misturas de povos e a agitação comercial que fazem de São Paulo essa cidade cosmopolita.

Cristiano Mascaro©

Com curadoria de Diógenes Moura, a mostra resgata uma série de fotografias feitas por Cristiano Mascaro em 1976 a pedido da Pinacoteca do Estado de São Paulo, que fica na Luz, outro bairro retratado.

Cristiano Mascaro©

Cristiano Mascaro©

O coletivo Cia de Foto, Marlene Bergamo e Bob Wolfenson foram incumbidos de criar imagens que confrontassem a série original. O caso de Bob Wolfenson é interessante porque ele morou no bairro até os 22 anos, então além de fotos feitas recentemente, a mostra traz cliques feitos na década de 70 usando a varanda de sua casa como ponto estratégico.

Cia de Foto©

Marlene Bergamo©

Bob Wolfenson©

Vídeo da Cia de Foto

"Bom Retiro e Luz: um roteiro, 1976-2011"

Centro da Cultura Judaica
Data: De 05/07 à 25/09
Horário: 3ª a sábado, das 12h00 às 19h00, domingo das 11h00 às 19h00
Rua Oscar Freire, 2.500 (do lado do metrô Sumaré)

Fone (11) 3065-4333

somos todos feitos de estrelas

2011-07-17T19:06:00.011-03:00

Há boas surpresas em revistas virtuais independentes, como o editorial "Stellar", a seguir. Não teria sentido na mídia impressa. O jovem fotógrafo Ignacio Torres, nascido na cidade fronteiriça de El Paso no Texas (EUA), criou esse ensaio usando os irresistíveis "gifs animados". As imagens apareceram na edição de junho da publicação on-line "The Ones 2 Watch". A proposta de Torres foi brincar com o conceito que todos somos feitos de poeira cósmica, restos de estrelas que explodiram há bilhões de anos e formaram o sistema solar, e consequentemente o planeta terra.

(se o gif estiver desanimado clique aqui)

***

e para o que a gente pensar, tem sempre uma trilha sonora equivalente:

texturas

2011-07-16T19:16:00.000-03:00

imagem do dia

2011-07-11T21:58:00.004-03:00

... continuando no tema Grace Kelly. Achei essa foto da princesa, com sua filha Stephanie, feita pelo fotógrafo brasileiro Otto Stupakoff em 1971

... ao seu dispor, princesa

2011-07-10T00:15:00.013-03:00

A exposição sobre a "Os Ano Grace Kelly, Princesa de Mônaco" acaba hoje. Quem tá em SP e ainda não viu corre lá na FAAP. Tá imperdível! Além disso, é o programa ideal para levar a avó. As velhinhas povoam a mostra. Recomendo ficar perto delas e ouvir os comentários que tecem, tipo: "Dagmar* lembra quando o Agenor* fez um escândalo comigo por causa do Cary Grant**".

Essa semana peguei o catálogo da expo emprestado para me interar um pouco mais na história da Grace Kelly. Conhecia muito pouco sobre esse ícone de beleza e estilo que até hoje inspira muita gente do mundo da moda. Vou colocar algumas imagens do livro aqui, já que na expo não podia tirar foto.

Na Jamaica em 1955

Foto: Howell Conant

A jovem vinda de uma tradicional família americana da Filadélfia, se tornou musa de Alfred Hitchcock e depois a princesa de Mônaco. Ela fez 11 filmes longa-metragem, e ganhou o Oscar de melhor atriz por "Amar é Sofrer" (1954).

Já na era princesa, teve três filhos, gostava de flores, e recebia no palácio real intelectuais e artistas, músicos, incluindo seus ex-colegas de Holywood. Na vitrine de cartas a que mais me chamou atenção foi a do pintor Marc Chagall. Ele complementou sua assinatura desenhando um simpático salmão em agradecimento à gentileza de Grace Kelly.

com Hitchcock

com Frank Sinatra no filme "Alta Sociedade" (1956)

Com seu futuro marido, o Príncipe Rainier (1955).

Eles casaram em abril de 1956. Ela tinha 26 anos.

Com uma silhueta lânguida, pernas compridas, cinturinha de vespa e um rosto perfeito, Grace Kelly jamais precisou recorrer a um guarda-roupa arrojado ou sensual para se destacar.

"Se há uma noção que me é estranha é a de fazer compras por prazer. Em contrapartida, acho que é justo honrar todos aqueles que criam tão belas coisas, que me proporcionam satisfação aos que me vêem usá-las"

Grace Kelly

Bom, ela podia usar estopa que ia ficar deslumbrante. Seus figurinos dentro e fora da tela grande sempre foram muito clássicos e discretos. Contudo, era apreciadora de grandes nomes da moda Yves Saint Laurent, Balenciaga, e Dior, muito Dior. A grife, sob a gestão de Marc Bohan (que substituiu Yves Saint Laurent na casa fundada por Christian Dior) era sua favorita.

Croquis da Dior

Detalhes, vestido Dior

O clássico vestido Mondrian, de Yves Saint Laurent

Chanel (esq.) e Dior (direita)

Os penteados da princesa

Princesa que se preze tem que ter coroa

Uma fofoca, até então inédita para mim: ela namorou o estilista Oleg Cassini, antes de casar.

Grace Kelly e Oleg Cassini

Cassini não tem o nome escrito na calçada da fama da moda, como Saint Laurent, ou Givenchy, mas é simplesmente o estilista responsável por vestir outro ícone de estilo, ninguém menos que Jacqueline Kennedy Onassis.

A mais célebre primeira dama dos Estados Unidos, era dona de um look clássico e muito limpo. Ela não gostava de estampas e era adepta de poucos acessórios. Aqueles óculos escuros, de armação grande, eram uma de suas marcas registradas.

Grace e Jackie, 1966

As duas viraram nome de bolsa, né?

Na exposição da Grace há multiplas variações bolsa "Kelly", o modelo clássico da Hermès.

E Jackie usando a bolsa "Jackie" da Gucci:

Ah! E vocês devem me perguntar: e o vestido de noiva de Grace Kelly? Como no casamento da Kate e do Willian esse assunto foi tão explorado, recomendo a leitura aqui.

Uma curiosidade: Grace Kelly era contratada da MGM. Quando deixou a profissão para se casar os estúdios deram à ela todos os figurinos que usara na produções cinematográficas. Isso, claro, em troca do direito de gravação do casamento.

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*nomes fictícios

**ator que integrou junto com Grace Kelly "Ladrão de Casaca", de Hitchcock em 1955

*** o título é referência a música "Olhar 43" do RPM, clássico dos anos 80, que tem a famosa frase: "Stephanie de Mônaco, aqui estou, inteiro aos seu dispor, princesa". Stephanie é uma das três filhas de Grace, a mais baladeira.

oui, Charlotte

2011-07-08T00:35:00.007-03:00

mais uma da série imagem do dia...

A moça de colar de contas e de peito aberto para os Alpes, é Charlotte Perriand (1903-1999). Arquiteta francesa, foi diretora de arte da famosa loja parisiense Galeries Lafayette (1927), e nos anos 30 passou a integrar o escritório dos também arquitetos Le Corbusier e Pierre Jeanneret. Portanto, o design de alguns dos móveis mais conhecidos e copiados do mundo levam sua assinatura.

A moça era "viciada" em tirar fotos e esse viés de sua trajetória é abordada na exposição "Charlotte Perriand (1903 -1999) – Da fotografia ao design", em cartaz até setembro no Petit Palais em Paris. Segundo o curador da mostra, Charlotte usava a fotografia como um "caderno de anotações", e a frequência com a qual ela produzia imagens pode ser comparada com o uso atual dos gadgets com câmera.

A foto aí de cima, foi feita nos anos 30 é o cartaz da exposição.
Esse vídeo (em francês), dá uma idéia geral da mostra.

Charlotte Perriand, l'œil en éventail au Petit... por mairiedeparis

imagem do dia

2011-07-05T00:16:00.002-03:00

Audrey Hepburn e Grace Kelly juntas
Elas foram apresentadoras da 28º edição do Oscar©, em 1956. Foi a última aparição de Grace Kelly nos meios cinematográficos (fonte: catálogo da expo "Os anos de Grace Kelly, princesa de Mônaco")

Frida Giannini, a capitã da Gucci

2011-07-02T19:49:00.012-03:00

Frida Gianinni é um dos nomes mais importantes da moda atual. Na direção de criação da Gucci, ela substituiu ninguém menos que Tom Ford e revigorou de tal forma a maison italiana que conseguiu que o aval de mudar o escritório instalado em Florença, desde a criação da grife em 1921, para sua cidade natal, Roma. Com uma história digna de um roteiro de cinema a Casa fundada por Guccio Gucci completa 90 anos e Frida vai capitanear as comemorações.

Frida Giannini / Gucci© divulgação

Em junho a Elle Brasil publicou uma matéria sobre os 90 anos da marca. Fiz a colaboração a pedido da editora de moda Renata Piza. Para a ler um trecho da matéria clique aqui

Como no texto publicado não foi possível colocar tudo o que Frida Giannini contou na entrevista que concedeu à revista, achei que valia traduzi-la na íntegra por aqui:

O que vocês estão planejando para comemorar os 90 anos da Gucci? Uma coleção especial, uma grande festa?

Esse é um ano muito especial para gente. Preparamos muitos eventos para comemorar os 90 anos. Lançamos recentemente Aquariva by Gucci, que são iates feito por encomenda e 500 by Gucci, uma linha customizada do Fiat 500. São projetos de lifestyle da grife. Para celebrar o legado da grife, e seu comprometimento histórico com o mundo das artes, fizemos uma parceria com o The Film Foundation e com a Recording Academy para preservar e restaurar arquivos de filmes e músicas para as próximas gerações. Esse mês (junho) nossas boutiques vão receber a coleção 1921, que desenhei para prestar uma homenagem aos ícones de marca desde as primeiras criações de Guccio Gucci. Teremos novas edição das bolsas Bamboo, New Jackie e da Horsebit, dos mocassins e das botas de montaria. Cada um desses itens narra um pouco a história da marca. Em setembro vamos abrir o Museu Gucci em Florença, na Piazza dela Signoria. É um projeto tenho muito apreço. O arquivo nunca foi aberto ao público antes. Também haverá espaço dedicado a exposições temporárias de arte contemporânea. Além disso haverá um café, uma livraria e uma loja de souveniers.

Como voce desenvolve o trabalho na Gucci e como coordena sua equipe?

O trabalho criativo é contínuo. Estou constantemente observando o que me cerca: pessoas, objetos e lugares… Minha visão criativa é um casamento de estilo entre passado, presente e futuro. A inspiração vem dos três dependendo do meu humor, e dos 90 anos de arquivo da Gucci.

Você criou uma imagem de mulher poderosa para a Gucci, contudo, com sem deixar de lado pitadas de delicadeza e feminilidade. Foi intencional?

Foi sim. Eu acho que é muito importante ter uma idéia, uma visão, um ponto de vista, porém, não penso em uma mulher específica. Penso na mulher Gucci. Ela é forte, independente, sabe o que quer e para onde vai. É uma mulher que quer ser respeitada pela sua inteligência, pelas suas conquistas. Tanto faz se é uma super profissional ou uma mãe, ou como na maioria das vezes, os dois casos.

Como estilista, qual é seu maior desejo?

Meu maior desejo é deixar um legado para a marca e viver cercada de um design inovador. Para mim é importante estar sempre envolvida com o que faço e estar sempre olhando adiante. Olhar minhas criações na passarela é sempre um momento gratificante. A cada desfile sinto que estou progredindo.

Uma vez você disse: "a moda é a elegância natural". Como estilista de uma grife poderosa, como ajuda as mulheres a conquistar essa elegância natural?

A elegância não requer esforço. A mulher verdadeiramente elegante nunca deixa de lado sua atitude e seu jeito de ser. Como mulher, acredito ter a consciência dos desejos das outras mulheres. Eu gosto de ajudá-las a se sentirem mais seguras e sensuais. E claro, curtirem o que estão vestindo.

Por que voce decidiu mudar o escritório de estilo de Florença para Roma?

Vivendo e trabalhando em Florença eu criei um grande respeito pela cidade. Contudo, ter mudado o escritório para Roma renovou os ares da equipe. Além disso, como viajo muito, Roma é mais conveniente para vôos. É uma cidade de espírito livre. É mais boêmia de certo modo, e isso dá muita energia. Há muitos shows, brechós, mercados ao ar livre e lugares para curtir o happy hour. Eu sinto que a minha vida está mais equilibrada desde que eu voltei para Roma. Ter a família e os amigos por perto sempre me trazem boas energias.

lingerie renascentista

2011-06-30T23:41:00.005-03:00

...mais um pouquinho de Bélgica

As roupas que a estilista belga Véronique Branquinho cria são bem construídas e muito femininas. Ela transportou tais características para sua primeira coleção de lingerie, feita em parceria com a marca Marie Jo, conterrânea e especializada em moda íntima.

Os sutiãs, bodies, calcinhas, ligas e hot-pants (aquelas calcinhas com cintura alta) carregam um glamour antigo, jeitinho de anos 50. Contudo, sua inspiração veio do século XVI. Mais precisamente de algum dos mestres da pintura do renascimento.

As "musas" do período não eram modelos e sim as imagens da Eva (aquela mesma do Adão) e da Vênus (a deusa do amor na mitologia romana). Essas figuras foram retratadas a exaustão pelos pintores Lucas Cranach, Giorgione, Raphael e Albrecht Dürer.

A Vênus Adormecida, Giorgione, 1510

"Quando vejo as figuras nuas dos velhos mestres, sinto que elas não são muito diferentes das mulheres de hoje. E me pergunto: Como eles olhariam suas musas de lingerie?", declarou a estilista no release oficial da coleção. Alô, Vogue Itália?

Lucrécia, Lucas Cranach

Segundo entrevista para a Dazed and Confused, Braquinho contou que criar lingerie foi um desafio, pois unir sensualidade e conforto requer maior requinte técnico. As peças foram desenvolvidas em seda, micro-fibra e tule.

A coleção chega às lojas europeias em meados de setembro.

***
A Marie Jo já fez parceria com os também belgas da AF Vandevorst. Algumas peças estavam no Momu da Antuérpia ano passado.

enquanto isso na Antuérpia...

2011-06-30T22:25:00.012-03:00

A exposição de outono no Museu de Moda da Antuérpia faz a primeira grande retrospectiva da carreira, de mais de três décadas, de Walter Van Beirendonck. Ele é um dos membros do grupo conhecido como "Antwerp Six". Intitulada "Dream The World Awake", a mostra entra em cartaz no dia 14 de setembro.

Atualmente o Museu exibe "UNRAVEL. Knitwear in fashion", mostrando a história do tricô na moda. Ó:

Alexander McQueen

outono-inverno 2009/2010 (C)
foto: ETIENNE TORDOIR

Look de Jean Paul Gaultier, homenageando a rainha do tricô francês, Sonia Rykiel, no desfile de 40 anos de aniversário da grife da estilista, 2008

Gabrielle Coco Chanel, 1930

Look de Pierre Cardin, 1967

Traje de banho criado por Elsa Schiaparelli, 1928

E como não podia faltar um belga...
Maison Martin Margiela

outono-inverno 2008/2009

***

Você fashionista profissional ou amador #ficaadica para incluir a Antuérpia no roteiro de viagem. É imperdível. Muita cultura de moda.

roupas feitas de... coisas

2011-06-29T22:46:00.006-03:00

A primeira edição da Virgine Magazine traz esse editorial manifesto chamado "All You Can Get".

♥♥♥ - meu favorito!!!

O fotógrafo Ryan Yoon, criador e o editor-chefe da revista novaiorquina, vestiu as modelos com elementos bem cotidianos: m&ms, Coca-Cola Light, iPad, caixa de sabão em pó e até cachorros para ilustrar como o tema "moda" ganhou espaço no nosso cotidiano na última década.

As imagens são acompanhadas por um texto (em inglês) do também fotógrafo Corey Scott Arter. Ele começa dizendo que o trunfo de tal popularidade vem da beleza, da inovação e da vontade de seguir adiante. Ao lado da tecnologia, a moda esteve no centro das atenções de todos nos anos 00's, (essa volatilidade de ambas se encaixa perfeitamente com a rapidez dos novos tempos, né?) e teve ajuda de programas de TV como Sex and the City e Project Runway.

A publicação quer se diferenciar e se propõe ser: "A revista que mostrar o que as pessoas querem, não o que a indústria da moda pensa que as pessoas querem".

***

Pensando na proposta da revista, lembrei daquele lendário diálogo do filme "O Diabo Veste Prada" em que a editora Miranda Priestly, joga na cara de sua pobre assistente a razão pela qual ela comprou seu suéter azul. Explicação sucinta que resume como mesmo aqueles que vociferam "eu não ligo pra moda" são altamente influenciados pelas passarelas.

***

dica do dearquiteturas. Gracias

do começo ao fim

2011-06-29T01:59:00.008-03:00

Passeando pelo vimeo encontrei esse vídeo que mostra passo-a-passo a criação de uma coleção. A protagonista é a estilista islandesa Agla Stefánsdóttir, que estuda na Kolding School of Design da Dinamarca. Ainda não é famosa, mas teve essa ideia boa. O filminho chama "Process" e ela mesma executa todas as etapas do processo.

Apurou sua inspiração, fez o molde, costurou as peças, pregou os rebites. E tudo começa em uma moulage naquele tradicional bonequinho de madeira articulado que tem em toda aula de desenho. Legal também ver o moleskine dela com as referências, as amostras de tecido e a composição das formas geométricas que ela usou como base para as formas das roupas.

ah! lembrando que há pouco postei um videozinho mostrando o processo criativo da gaúcha Helen Rodel, com um outra pegada. E vejam só, ela apresentou sua coleção na semana de moda da Islândia em 2009.

#SPFW brasilidades 7: Ronaldo Fraga e o samba

2011-06-27T17:28:00.009-03:00

Sacos de confete foram deixados em todas as cadeiras na sala do desfile do Ronaldo Fraga, estímulo para a confraternização final. O estilista encerrou o São Paulo Fashion Week com samba, de Noel Rosa (1910-1937).

O desfile começou com o ator Renato Raposo, que interpretou o compositor no filme "Noel, Poeta da Vila" (2007), entrando sozinho, e se colocando em um pequeno palco redondo, posicionado um pouco afastado do começo da passarela. Depois de algumas estrofes, ele evocou a velha guarda da Vila Isabel, que surgiu ao levantar da cortina vermelha tocando um samba rasgado. Para quem gosta é uma emoção orgânica.

A Vila Isabel era a morada de Noel Rosa, ele a celebrava em muitas de suas cerca de 300 composições (uma marca impressionante se pensarmos que ele morreu com 26 anos). O argumento de Ronaldo Fraga para se inspirar no poeta foi a inovação de colocar temas cotidianos nas letras de seus sambas. Ele batizou a coleção de "O cronista do Brasil".

Ele pensou nas roupas que vestiriam as foliãs em um baile do carnaval de 1935 ambientado em um salão art déco no Rio de Janeiro. As roupas, todas em preto, e branco tinham um ar de fantasia antiga, como as tradicionais de pierrô e colombina, míticos personagens carnavalescos que aparecem em algumas estampas. O tule foi a grande estrela.

A turma da primeira fila não esboçou muita emoção durante o desfile, mas era possível ver alguns pezinhos batendo e poucas bocas balbuciando as letras. O repertório incluiu entre outras "Feitiço da Vila", "Dama do Cabaré", "Palpite Infeliz", "O Orvalho vem caindo", "Gago Apaixonado", e claro não poderia faltar "Com que roupa?". Sem dúvida a cantoria do chuveiro ficou garantida por uma semana no mínimo.

No final do desfile a platéia, de todas as filas, veio a baixo sem ligar para os invasivos confetes. O diretor do evento Paulo Borges, a cantora Daniela Mercury que estava por lá e o próprio Ronaldo subiram ao palco. A temporada verão 2012 do SPFW acabou em samba. Alegria.

***

Ronaldo Fraga é super cuidadoso com seu material gráfico, este é o release do desfile.

***

#SPFW brasilidades 6: Pedro Lourenço e o país do futuro

2011-06-27T15:58:00.004-03:00

Desde que apresentou sua primeira coleção na semana de moda de Paris em março de 2010, Pedro Lourenço deixou se ser o filho de Gloria Coelho e Reinaldo Lourenço. É definitivamente um estilista talentoso. Ele voltou ao São Paulo Fashion Week nesta temporada verão 2012. A proposta é uma coleção "Resort", classificada internacionalmente por ter um viés mais comercial e localizada entre os lançamentos de prêt-à-porter de verão e inverno.

O designer optou por apresentar seu desfile de uma maneira muito interessante. Reuniu um seleto grupo de jornalistas e convidados no Baretto, bar do Hotel Fasano e explicou look por look. Foi possível ter certeza do preciosismo e do requinte com os quais ele vem desenvolvendo seu trabalho. E além disso, entender como ele costura as muitas referências que dão origem a coleção.

(As estampas são desenhos da pintora Lelli de Orleans e Bragança, o sobrenome diz tudo, muito influenciada pela pintura de Debret).

Outro ponto que acho muito relevante na obra do jovem estilista é seu apreço pela seleção de materiais de alta qualidade, sempre de olho na tecnologia têxtil e a união de várias técnicas. A parte interna do look a seguir feita em tweed usando a tapeçaria.

Mais uma vez: não são roupas para as massas. Contudo, é o topo da pirâmide. Um caminho de criação muito importante, de vanguarda, com um projeto e um conceito por trás.

Em sua fala ele também explicitou a viabilidade comercial das peças. Algumas chegarão às lojas em diferentes comprimentos ou feitas em tecidos menos nobres, por exemplo. Afinal, a roupa pode ser o que for, mas precisa vender.

Vale muito a pena assistir:

#SPFW brasilidades 5: Neon e o bauhaus tropical

2011-06-27T11:24:00.005-03:00

A Neon propôs uma "bolsa-pandeiro" e usou cestaria dos índios do Xingu na cabeça das modelos. A grife comandada por Dudu Bertholini e Rita Comparato, mistura essas referências quase folclóricas como grafismos, estampas, recortes e proporções ousadas. A coleção foi batizada de "Bauhaus Tropical"

O desfile ambientado no Museu Brasileiro da Escultura, projeto do arquiteto Paulo Mendes da Rocha foi brindado com um lindo dia de sol para ressaltar o colorido das roupas e atmosfera alegre que caracteriza as apresentações da marca.

#SPFW brasilidades 4: Adriana Degreas e o balneário

2011-06-27T11:22:00.004-03:00

A estilista Adriana Degreas faz uma moda praia luxuosa. Não é o mainstream das areias brasileiras, claro, e boa parte dos leigos deve ficar chocado ao ver as proporções maiores e os tecidos que não favorecem um mergulho no mar. Porém, passarela é sonho, e a de Adriana Degreas nos remete a belos iates e celebrações a beira mar regadas a Veuve Clicquot. Um Brasil glamuroso.

Para Adriana tão importante quando os biquínis e maiôs são as saídas de praia. Além dos caftãns, que vieram amplamente estampados com motivos indígenas e folhagens tropicais. Há também vestidos mais sequinhos, para a noite que segue depois de um dia prazeroso no balneário. Destaque para a estampa de folhas de costela-de-adão, que também serviram de cenário.

Ano passado ela chamou a modelo tcheca Eva Herzigova para desfilar. Neste ano ela recrutou representantes nacionais delux. O desfile abriu com a socialite Antonia Frering, filha de Carmen Mayrink Veiga, ao som de "Lágrimas Negras", de Jorge Mautner e fechou com uma performance de Sonia Braga, ao som de "Tigresa", composição de Caetano Veloso. Toda trilha na voz de Gal Costa, deu o tom sensual e elegante que permeou o desfile.

intervalo nas brasilidades...

2011-06-22T00:33:00.006-03:00

... para mostrar o figurino da Marion Cotillard em "Meia Noite em Paris", filme novo do Woody Allen.

Quem assina é Sonia Grande que já havia trabalhado com o diretor em "Vicky, Cristina, Barcelona", e tem em seu currículo principalmente produções espanholas, incluindo "Abraços Partidos" e "Fale com Ela" de Pedro Almodóvar.

... Desejar viver nos anos 20 não é difícil.

#SPFW brasilidades 03: Maria Bonita e os colonizadores

2011-06-21T20:18:00.007-03:00

A estilista Danielle Jensen adora temas brasileiros, nessa temporada verão 2012, no entanto, a trajetória da coleção da Maria Bonita começou na terrinha. “O rio que corre de Portugal e deságua no Brasil”, foi o mote da coleção.

O repertório da coleção veio dos famosos azulejos portugueses. A grife se destaca pela técnica dos cortes e dos acabamentos e pela pesquisa têxtil, sempre buscando alternativas tecnológicas.

A roupa da Maria Bonita não é para qualquer uma. Cativa mulheres cheias de personalidade, que querem distância da sensualidade óbvia

A letra da música "Fado Tropical" de Chico Buarque e Ruy Guerra caiu como uma luva para o tema escolhido pela estilista e foi a trilha sonora do desfile.

pra assistir...

O vídeo a seguir é um trecho do filme "Fados" do cineasta espanhol Carlos Saura, em que Chico Buarque participa cantando a composição usada no desfile da Maria Bonita. Saura é famoso por "Carmen" (1983), uma interpretação moderna para a clássica Ópera de Bizet.

#SPFW brasilidades 02: Osklen e os negros

2011-06-20T21:17:00.001-03:00

Há dois anos Oskar Metsavaht fazia uma coleção inspirada no carnaval, e no verão 2012 olhou para a cultura afro-brasileira, da colônia até os dias de hoje. A Osklen apresentou uma coleção que reuniu as características clássicas da marca: formas minalistas, geométricas e bem construídas, constrastes de texturas. Os tecidos eram naturais como o linho, seda e algodão . Os acessórios metalicos são os responsáveis pelo constraste entre o rústico e o moderno. Preto, branco, laranja e azul integram a cartela de cores.

O resultado foi muito eficiente e elegante. Confesso aqui minha admiração pelo estilo da marca que sempre consegue inovar, mantendo a simplicidade e o bom gosto. Ficou evidente que as roupas usadas pelos escravos, e a herança da África, sempre estiveram no imaginário da grife, porém, nessa temporada estava explicitados.

A coleção já começou falada antes mesmo de entrar na passarela, porque Oskar disse que não conseguiu montar um casting totalmente negro para o desfile, e levantou a discussão das cotas para as passarelas.

Vale a pena ler essa matéria sobre a polêmica, que entre outros pontos revelou:

Pequeno detalhe: Diante da escolha do tema, que foi pré-comunicado aos revendedores e lojas multimarcas compradores de Osklen do País, o número de pedidos no Sul e Sudeste do Brasil diminui. “É incrível pensar no que isso significa, não? Mas, sinceramente, se há clientes que nem vêem a coleção e já não a recebem bem por conta do tema valorizar o negro brasileiro, eu é que não quero este tipo de cliente.

#SPFW brasilidades 01: Tufi Duek e os índios

2011-06-16T00:15:00.015-03:00

A grife Tufi Duek tem a assinatura do estilista Eduardo Pombal. Nessa temporada primavera-verão 2011/201 ele se inspirou em elementos da cultura indígena. É possível reconhecê-los com certa facilidade na coleção: grafismos da pintura corporal, da cestaria; e a plumária, diluída na cartela de cores fortes.

No GNT Fashion que foi ao ar no dia do desfile, ele contou que foi na Première Vision, a famosa feira de tecidos de Paris, lá escolheu sua matéria prima, voltou para o Brasil e pensou em associá-la a referências que remetessem aos índios.

Foi para fora e olhou para dentro. Com o Brasil na crista da onda mundial, sinto que é um processo que anda acontecendo cada vez mais. Nessa temporada a "inspiração Brasil" ficou evidente em algumas coleções que pretendo listar nos próximos posts.

Não considero esse movimento como um sentido obrigatório, mas é certamente bem-vindo, uma vez que a moda, sempre foi, e mais do que nunca, é, portadora de signos e criadora de desejos. Em outras palavras, para construir a tão desejada moda autoral brasileira, precisamos querer, conhecer e reconhecer o Brasil.

Se tomarmos o exemplo da arquitetura, quando os nomes de Oscar Niemeyer e Lúcio Costa começaram a ecoar mundo a fora havia uma vontade de ruptura e de afirmação da identidade nacional. Mais ou menos na mesma época, na música, os suaves acordes da bossa nova e a celebração da boa vida carioca nas letras, eram a trilha sonora do país que queria dar certo. Conquistou os jazzistas americanos.

No século XXI a moda pode ser o porta-voz imagético ideal. Por quê?

Longe de mim dar uma resposta definitiva, mas arrisco alguns palpites.

- A moda é rápida como a velocidade da internet, e das relações interpessoais no mundo atual. Hoje, trocar de amigos, de namorado(a) e de trabalho como "quem troca de roupa", é comum. Se isso bom? Aí é outra história, mas a moda é uma boa metáfora.

- O composê de roupas que você escolhe todo dia ao sair de casa é parte importante de sua expressão, e como a web revelou que todo mundo adora aparecer é importante pensar na imagem que será "tagueada".

- Assim, com o individual valorizado pelo coletivo, construir uma imagem de moda forte e consistente, só contribui com a imagem global do país.

***

pra ler ...

Eduardo Pombal disse que usou fotos dos índios do Xingu como referência para criar a coleção. A reserva indígena que leva o nome do rio amazônico é a maior do Brasil. A Gisele Bundchen e o Leonardo de Caprio foram visitar uma tribo de lá, lembram? (Perdão antropólogos queridos, preciso dar uma referência fashionista aos leitores !!!). Para se ambientar no assunto recomendo super o livro "Xingu", da fotógrafa Maureen Bisilliat e dos irmãos Orlando e Claudio Villas-Bôas. São fotos lindas feitas nos anos 80. O exemplar que tenho era da minha avó e tem uma dedicatória da fotógrafa que vale a pena ser compartilhada: "imagens de um povo que ainda resiste. Até Quando?". De lá pra cá a situação só piorou.

Ah! Olha o incosciente coletivo: "Xingu, O Filme", dirigido pelo Cao Hambuguer, estreia logo mais e conta justamente como os irmãos Villas-Bôas criaram o Parque Indígena do Xingu em 1961.

***

Neste vídeo da Folha de S. Paulo a fotógrafa relembra o trabalho no Xingu, que resultou no livro:

SPFW dos holandeses

2011-06-14T02:01:00.004-03:00

meu último post como editora convidada do blog Paraty em Foco...

O São Paulo Fashion Week começou nesta segunda-feira e além dos desfiles abriga duas exposições de artistas holandeses. A escolha do país não é gratuita, 2011 é o Ano da Holanda no Brasil.

A primeira, e maior, chama-se “Pretty Much Everything”, está localizada no térreo do prédio da Bienal do Parque Ibirapuera, reúne 286 imagens de Inez Van Lamsweerde e Vinoodh Matadin, fotógrafos especializados em moda. Os dois vieram ao Brasil especialmente para a abertura da mostra. Eles são companheiros profissionais, e também um casal, há mais de 20 anos.

Inez Van Lamsweerde e Vinoodh Matadin©, fotografam e estrelam a campanha da linha masculina da grife francesa Lanvin

Grandes marcas e publicações incensadas, principalmente as de moda, confiam aos dois a responsabilidade de criar conceito e imagem para campanhas e editoriais. Também são retratistas requisitados (entre as publicações com as quais colaboram frequentemente descatado a V Magazine, "filha" mais comercial da Visionaire, ambas comandadas pela talentosa editora Cecilia Dean).

A dupla está em 15º no ranking de 50 forças criativas do mundo da moda lista do influente site Business of Fashion (só por curiosidade o topo da lista é encabeçado por outra dupla de fotógrafos, Mert Alas e Marcus Piggot). Tive a oportunidade de visitar a exposição hoje no evento e gostei muito. O casal é mesmo provocador no modo que compõem as imagens.

Em recente entrevista do portal de moda FFW, Inez contou como dividem o trabalho.

É muito orgânico, nós fotografamos ao mesmo tempo. Vinoodh usa uma câmera Canon e eu uso uma Hasselblad. Eu dirijo a pessoa que está sendo fotografada, seja uma modelo ou um artista, uma celebridade. Ela olha para a minha câmera, há um contato direto entre a pessoa e eu. O Vinoodh fica mais móvel, anda pelo set e traz outro clima para a foto. O ponto de vista dele é mais voyeurístico. Às vezes fica muito claro quem tirou a foto, mas não importa se a imagem escolhida é minha ou dele. O importante é ter boas fotos, é fazer as imagens mais maravilhosas que pudermos.

***
No terceiro andar está a segunda exposição "Connection 2010″ do artista Ruud Van Empel, ele também trabalha com fotografias, contudo, abusa da manipulação da imagem criando um efeito de pintura, com cores bem saturadas.

Para o trabalho final ficar deste jeito ele começa fotografando os modelos no estúdio, depois clica ambientes externos, e ainda produz imagens das roupas em manequins, depois junta tudo no mesmo plano.

umbigo, universo

2011-06-12T15:39:00.012-03:00

O processo de trabalho de alguns dos criadores de moda, entre lápis de cor, giz de cera, tesoura, linhas, agulhas e máquinas de costura, papéis, recortes de revistas e livros, é fascinante, né?. Quando o insosso editor de texto é o principal instrumento do seu ganha-pão, entrar em contato com esse universo da criação de moda (também poderia ser da arquitetura ou do design) é ser transportado para uma dimensão poética, por vezes caótica, mas definitivamente sensível.

Hoje de manhã a estilista gaúcha Helen Rödel me proporcionou tal sensação ao me enviar esse e-mail e um link:

Caríssima Laura,

Gostaria de te apresentar o documentário que fizemos para aproximar os olhares de coisas que me são realmente valiosas. São elas as pessoas com quem trabalho, as técnicas com as quais desenvolvo minhas idéias, as próprias idéias, meus tempos e meus espaços.

Ele foi feito entre fevereiro e abril deste 2011 em dias de gênio jovial e vigoroso. Foi em estado encantador que me dediquei a esta oferta.

Por isso espero que gostes e que se assim for, que divulgues.

Será bem importante para mim.

Um beijo e ventura,

Helen Rödel

Acompanho o trabalho da Helen Rödel desde o começo do blog. A grife da gaúcha tem um produto muito específico. A estilista é especializada em tricô e crochê com um jeitinho bem retrô, e é profundamente adepta da fabricação artesanal.

Tanta dedicação merece uma comunicação visual bem explorada. Em 2008, por exemplo, publiquei por aqui um catálogo que ela fez com a última máquina fotógrafica lambe-lambe do Rio Grande do Sul.

Outro ponto que considero muito interessante, é ela se auto-intitular uma designer latino-americana, uma vez que o intercâmbio criativo da moda brasileira com o países hispano hablantes do continente americano é quase nula.

Vamos ao documentário...

Belas imagens, delicado, reflexivo, takes muito instigantes do processo de fabricação da coleção MMXI, e de seu estilo de vida (reparem no barrigão, explica muito da sensibilidade do filme). Helen nos conduz pelo conjunto de elementos que justifica seu estilo de criar roupas.

Documentário Helen Rödel - Estudos MMXI from Helen Rödel on Vimeo.

pé estampado

2011-06-10T01:55:00.009-03:00

As estampas da empresa finlândesa Marimekko chegaram ao Converse (All-Star).

A história da marca se mistura com a do design da Finlândia, país referência para quem entende do assunto. Para saber mais clique aqui

***
E aqui no Brasil, os alegres desenhos do artista pernambucano Francisco Brennand , craque em cerâmica, estampam as sandálias de borracha Dupé.

gordinhas na capa: glamour ao que é cotidiano

2011-06-08T23:58:00.016-03:00

Eis a capa e o editorial da Vogue Itália de Junho clicados pelo Steven Meisel com as modelos Candice Huffine, Tara-Lynn e Robyn Lawley. Um oferecimento Franca Sozzani.

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Franca Sozzani (sou fã!), editora da revista, sempre propõe imagens que mexem os padrões da moda. Como boa italiana ela deve adorar uma bela macarronada com muito molho e queijo ralado (hummm!), e carrega em seu DNA as imagens das mulheres de corpo rechonchudo que fizeram dos artistas de seu país os mais conhecidos do mundo, isso desde a Antiguidade Clássica (A.C.).

No fim, interpreto essa capa e esse editorial como: é bem interessante dar glamour ao que é cotidiano. Numa era de twitter, facebook e reality show, em que o espectador faz as regras, nada mais natural atentar para quem quer se sentir representado. E no mundo da moda a proposta de Franca soa como ousadia.

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A franquia virtual da revista italiana possui há um tempinho o canal "Vogue Curvy", com dicas, sugestões e notícias para mulheres com as gordurinhas a mais, ou seja 80% da população (não é mais porque sempre tem a "magra de ruim" ;)

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Falando na Franca, lembrei de um editorial que também deu o que falar em 2005. Também ao lado do fiel escudeiro Steven Meisel, propôs um editoral de moda com a Linda Evangelista em meio a sessões de cirurgia plástica. Fuerte! E ainda não podemos dizer que o tema é tendência ultrapassada, principalmente aqui no Brasil. Veja as fotos aqui.

sou muitos

2011-06-05T13:31:00.011-03:00

Sou João , 1972
Flávio Império
serigrafia sobre tecido

Serigrafia é uma técnica muito usada na moda. Principalmente por jovens estilistas que começam a se aventurar no mundo da criação estampando camisetas. Essa imagem explica como funciona a técnica manual (já existe máquina que realiza o processo):

É amplamente usada na arte também. A Serigrafia era uma das especialidades de Flávio Império. Arquiteto, cenógrafo, figurinista...Artista. Ele é o tema da "Ocupação" que fica em cartaz até o dia 17 de julho no Itaú Cultural, na Avenida Paulista, em São Paulo.

Sua biografia foi recentemente atualizada no site da instituição. Destaco aqui algumas partes para os queridos leitores entenderem a importância do artista:

Flávio Império é um dos cenógrafos responsáveis, entre as décadas de 1960 e 1980, pela transição do estilo decorativo (voltado simplesmente à ambientação temporal e espacial da peça, acrescido da idéia de "embelezamento") para uma cenografia não-ilusionista, na qual os cenários e objetos evidenciam suas funções simbólicas e estruturais.

A cenografia passa a refletir uma idéia, ajuda a contar uma história e é criada simultaneamente aos ensaios e concepção da montagem.

Tecidos utilizados em todas as suas possibilidades cromáticas e espaciais; luxo e "lixo" (despojos da cultura nacional) atrelados como reflexo da nossa brasilidade; inventividade na organização do espaço; pesquisa contínua de materiais alternativos: são esses os elementos que, já na década de 1970, fazem de Flávio Império um dos nossos maiores cenógrafos.

Na estrutura montada no térreo do espaço o visitante pode ver as telas de suas serigrafias, filmes em 8mm, e o mais legal: a parte "interativa". Alguns de seus desenhos estão disponíveis para a reprodução. Há tecidos, mas a dica é levar sua própria roupa para estampar.

Uma das visitantes levou uma blusinha de bebê para estampar. Vai levar um presente customizado para a amiga que acabou de ter filho.

Outra levou uma saia preta que estava encostada no armário:

Tem uma certa fila, é verdade, mas vale a pena. Levar uma serigrafia do Flávio Império para casa de graça não é nada mal. É a tal "obra de arte na era de sua reprodutibilidade técnica", elevada a uma potência leve, prática e divertida. Acho que ele iria gostar.

Felipe Morozini em cinco respostas e algumas fotos

2011-06-01T16:55:00.000-03:00

... reciclando o post do Paraty em Foco

Ele é fotógrafo, mas não só. Felipe Morozini, 36 anos, fotografa, promove intervenções urbanas, cria objetos e cenários, reforma cômodos. Paulistano, formado em direito desistiu da advocacia e começou a se aventurar nos cliques e bordar fronhas em 2001.

auto-retrato

Provocador, ele é o criador dos sites "Feio na Foto" (2010), onde que publicava sem dó fotos de pessoas não exatamente em sua melhor pose e "Hedonismo Sustentável" (2008) com dicas para o viver bem no mundo do eu. Seu trabalho mais notório foi um vídeo "Jardins Suspensos da Babilônia", premiado em 2009 no Festival Babelgun em Nova York. Olhando diariamente a paisagem árida do elevado Costa e Silva, vista obrigatória de seu apartamento, ele teve a idéia de modificá-la. Escalou os amigos para pintar flores no asfalto.

Hoje Morozini divide seu tempo entre trabalhos comerciais, principalmente retratos e editoriais de moda e decoração em revistas, e projetos autorais. Suas fotos estão a venda na Galeria Zipper e na loja MiCasa. Vamos conhecê-lo em cinco perguntas e algumas fotos.

(1) Com qual câmera anda fotografando ultimamente?
5D MARK II. porque ela supre todas as minhas necessidades. Atualmente ando 100% digital, mas a série "Last Floor" (um dos seus trabalho autorais) é inteiro em cromo.

Série Last Floor

(2) Quais foram seus últimos trabalhos… profissionais e autorais?

Profissional: retrato do Paulo Borges para a Revista Serafina

Autoral: Eu não paro com a série Dreamers

(3) Quando e por que começou a fotografar?
Em 2001, em uma viagem para a Índia

(4) Como você treina seu olhar para executar uma produção criativa tão diversa? Aliás, dá pra treinar o olhar?
Eu trabalho com o pensamento, seja através de imagens, objetos, cenários ou instalações. O treino é acordar todos os dias e se perguntar: "por que não?". E sair para a rua. Não tem como não se inspirar na rua.

(5) Você pensa na recepção do trabalho quando está criando ou faz por intuição mesmo?
A primeira coisa e o que torna meu trabalho autêntico é que eu preciso falar. Tudo é muito intuitivo. Existem assuntos que me permeiam, me incomodam, me agradam e é sobre eles que vou falar. EU PRECISO FALAR.

intervenção urbana: "I hate to Say"

imagem do dia

2011-05-30T11:07:00.003-03:00

Sempre impressionante o contraste das cores das indumentárias tradicionais da África. Na imagem, mulheres de tribos semi-nômades da região do Quênia e Etiópia virando as canecas vazias. Foto de Evan Abramson© para o projeto "When the water ends"(Quando a água acabar).

O clube da alta-costura: parte 2

2011-05-28T02:27:00.006-03:00

...continuando com uma dica de livro.

pra ler…

Encontrei aqui em casa esse simpático livro: "Haute couture : Artisans-paruriers & couturiers" (em francês, mas tem muita figura). Na capa está o Christian Lacroix. É tipo guia de alta-costura para iniciantes. O legal da publicação são as entrevistas com os artesãos envolvidos nas várias etapas e no final tem um guia com o endereço de todos os ateliês.

O livro conta um pouco da história da alta-costura e revela todas as ornamentações envolvidas como: bordados, plumária, renda e flores artificiais. Lacroix representa "O Espírito de uma Coleção". Ele é o personagem responsável por orquestrar todas as possibilidades técnicas da alta-costura e transformá-las peças que serão mostradas na passarela parisiense.

Forte essa frase de Lacroix que está no livro : "A moda, como as borboletas, tem apenas uma razão para viver: morrer".

"Haute couture : Artisans-paruriers & couturiers"
Série: Artisans des Villes
Autores: Leila Le Carvozin - Mille e Jean-François Anème
Editora Neva

Dá pra comprar pelo Amazon da França.

***
Falando em Christian Lacroix…
Pois, é, gente, ele já foi membro da seleta Câmara. É um excelente criador de alta-costura, e se despediu das passarelas em 2009. Seu requinte e sua técnica são tão apurados que seu prêt-à-porter acabava ficando, por vezes, exagerado.

Lembra da expo dos figurinos do Lacroix que teve na FAAP aqui em SP? Dá pra ter uma idéia de seu estilo.

Atualmente o site da marca Christian Lacroix está em construção, mas seu nome voltou a ecoar porque, sempre ela, Lady Gaga, escolheu roupas para grife para seu novo clipe "Judas".

As criações que a cantora usa no vídeo foram escolhidas por Sacha Walckhoff no acervo da grife. Ele foi o braço direito de Lacroix durante 17 anos, e eleito diretor de criação da marca em 2010.

O clube da alta-costura: parte 1

2011-05-28T00:27:00.010-03:00

Numa navegação casual por links me deparei com o documentário "O Mundo Secreto da Alta Costura". O filme foi feito pela televisão inglesa BBC em 2010 e revela que hoje apenas 200 mulheres no mundo podem comprar alta-costura. É até divertido pensar em alta-costura em plena era do fast-fashion, né?

O trunfo desta grande reportagem é mostrar os verdadeiros membros do seleto clube. Engana-se quem pensa que as atrizes de Holywood têm a carteirinha. A relação delas com a alta-costura fica, em quase todos os casos, restrita aos tapetes vermelhos. Aliás, as verdadeiras compradoras odeiam ver as roupas em celebridades porque vulgariza o modelo pensado para ser exclusivo.

Algumas informações pescadas no documentário:

- A norte americana Caroll Petrie compra alta-costura desde os anos 40 e teve seu vestido de noiva feito pelo próprio Christian Dior.

- Betsy Bloomingdale (viúva de Alfred Bloomingdale, fundador da loja de departamento de que leva seu sobrenome) é dona de uma coleção notável de vestidos de alta-costura. Ela coloca uma etiqueta em cada um deles para lembrar onde usou (uma vez só, claro).

- As peças de alta-costura podem ser doadas para museus e a benfeitora ganha desconto nos impostos.

- No caso da Chanel, quem servir nas roupas do desfile de alta-costura ganha 30% de desconto na compra. Uma vez que não será necessário fazer outro sob medida. Portanto, época de desfile é hora de fechar a boca.

- Depois dos desfiles de alta-costura são feitas fotos e enviadas as "sócias" do clube. Antes eram enviados croquis com as amostras dos tecidos.

- Como as roupas são feitas em Paris, não é raro as clientes dos Estados Unidos fretarem um jatinho para levar os vestidos até suas casas e poderem escolher com mais calma

- John Galliano, então ativo na Dior, contou que a alta-costura era onde ele podia colocar em prática a excelência da técnica da moda. "A alta-costura é o perfume. O prêt-à-porter é o Eau de Toillete", exemplifica.

- A colecionadora de arte Judith Corrente explica que suas peças de alta-costura estão no mesmo patamar que os quadros e esculturas que possui.

Aqui vocês encontram todas as partes do filme

***
Gustavo Lins é o único brasileiro que desfila na semana de alta-costura de Paris. Sabiam?
O que isso significa? A precisão técnica dele é tamanha que passou pelo rigoroso crivo da Câmara de Alta-Costura de Paris.

Atuais membros da Chambre Syndicale.

A instituição fundada em 1868 rege as casas de moda donas do savoir-faire, e tem seus dogmas, conforme explica esse post bem didático do Petiscos: "Entendendo a alta-costura".

Aqui no Brasil é comum associar a alta-costura a roupas habillé, ou seja, roupas para festas. Na Avenida Rebouças, aqui em SP, por exemplo, não é difícil ler "ateliê de alta-costura".

Dener e Clodovil se diziam criadores de alta-costura. Tendo em vista os padrões parisienses faziam apenas roupas luxuosas sob medida.

A brasileira Bethy Lagardère, no entanto, morou na França durante muitos anos e é dona de uma vasta coleção de vestidos de alta-costura. Alguns deles foram mostrado no São Paulo Fashion Week em 2009, quando o evento comemorou o Ano da França no Brasil.

Índia off ioga

2011-05-25T20:21:00.011-03:00

A Revista Wallpaper de junho é dedicada à Índia. A publicação traz um compilado dos destaques de cada área criativa: arquitetura, moda, design, artes, deste país que integra o clube dos BRICs, do qual o Brasil também é sócio.

O editorial clicado pelo fotógrafo Bharat Sikka sintetiza essa Índia moderna, que mantém a tradição, está aberta para o mundo e é grande exportadora de tecnologia. O cenário foi inspirado no Festival Holi em Nova Delhi, uma espécie de carnaval de rua em que a tradição é uma "guerra" de pó colorido. Nas modelos, as grifes conhecidas do eixo Milão-Paris-Londres-NY complementadas com acessórios comprados em mercados locais.

Assim que comecei a folhear a revista passou na televisão uma publicidade da Mostra Mudra de Cultura Indiana, que começou ontem aqui em São Paulo. Outra proposta, já bem tradicional.

E a moda, hein? Não é o caso de analisar aqui a indumentária indiana, mas vale ressaltar que a grande utilização dos trajes tradicionais ainda é uma realidade no país. Atualmente, o indiano de maior destaque na moda internacional é o estilista Manish Arora.

Dono de um estilo pouco minimalista e muito colorido, além de desfilar sua coleção na semana de prêt-à-porter de Paris, em fevereiro ele assumiu a direção de criação da Paco Rabanne. Sua primeira coleção será a de primavera-verão 2012, e, marca a volta da grife às passarelas e ao mercado.

Vale lembrar que Arora já emprestou seu nome e suas cores para as máquinas de café Nespresso e para as maquiagens da M.A.C. Se o nome do estilista servir de chamariz para 0,000001% dos atuais mais de 1 bilhão e 155 milhões de habitantes (dados de 2009) da Índia, já tá tudo garantido. Brincadeiras a parte, ele representa a faceta globalizada desse lugar tão intrigante.

de caso com Debret

2011-05-19T20:10:00.017-03:00

Passei quase um mês olhando e analisando as imagens do pintor francês Jean Baptiste Debret. No começo achei tudo incrível, mas depois começaram as crises.

auto-retrato de Jean Baptiste Debret

O motivo dessa relação curta, porém, intensa foi um seminário para um curso que estou fazendo desde março que tem como objetivo aprender a ler imagens. As aulas vêm subvertendo tudo que achava que sabia. Hoje posso dizer que fico com um medinho de encarar uma obra de arte (ou uma foto) tamanho o número de informações que um quadro composto por três pinceladas pode carregar. O "só sei que nada sei" nunca fez tanto sentido. Contudo, o benefício de zerar o placar é construir algo novo, né? E por isso resolvi compartilhar com os meus queridos leitores o que aprendi estudando Debret. E ao longo do post você vão entender porque ele está super relacionado com a moda.

Vamos por partes*
*trabalho acadêmico que se preze, tem que ter notas, e, no caso, são interpretações livres da autora aqui.

Nunca ouviu falar de Debret? *
*Ótimo. Está em cartaz aqui em São Paulo na Caixa Cultural da Paulista, até o dia 19 de junho, a exposição "Viagem ao Sul do Brasil". A expo reúne aquarelas e litografias que o pintor francês realizou nas viagens que fez pelo Brasil. A obra brasileira dele está quase toda no Museu da Chácara do Céu no Rio de Janeiro, e aos baldes na internet e no livro didático mais próximo.

"Laguna vista do Hospital", Aquarela de Debret que está na expo.

Jean Baptiste Debret chegou ao Brasil em 1816 e ficou por cerca de 15 anos*.
*Lembrando que: em 1808 a Família Real Portuguesa aportou por aqui fugida do avanço de Napoleão Bonaparte e que em 1822 D. Pedro I proclamou a Independência do Brasil. Ou seja, ele pegou justamente o período onde o Brasil deixa de ser colônia e começa a tomar forma de país (particularmente adoro essa parte da História).

Na França Debret era uma representante da pintura neoclássica. Era primo e discípulo de Jacques Louis David, pintor muito ligado à revolução francesa (1789) e depois a Napoleão e sua corte.**
*Fruto dos ideais da Revolução Francesa (liberdade, fraternidade e igualdade), essa corrente artística faz a "releitura" da Antiguidade Greco-Romana, e os valores da república. Logo os artistas voltam a fazer representações da história daquele período. Na moda: a mulherada deixa de lado os espartilhos e passa a apostar na silhueta solta e no decote império logo abaixo do busto, e no cabelo solto, como as gregas. Já os homens, vão no caminho oposto. Os trajes ficam mais justos, com ares militares, próprios de tempos de lutas revolucionárias.
*Não confundir o neoclássico francês com os prédios "neoclássicos", aqueles cor-de-burro-quando-foge, de alto padrão, com pet-care e espaço gourmet, que crescem como mato em São Paulo e muitas outras cidades do país (#ficaacritica).

Jacques-Louis David

Como representante do estilo neoclássico francês ele carregava consigo alguns preceitos: valores políticos liberais (da Revolução Francesa), sua pintura estava muito ligada à representação histórica e a tradição acadêmica

Jean Baptiste Debret - parentes, né?

Ele veio ao Brasil como integrante da chamada "Missão Francesa", que tinha o objetivo de fundar a Escola de Belas Artes do Rio de Janeiro*
*A verdade é que ele perdeu o único filho, se divorciou, e Napoleão, que ele apoiava, tinha perdido o posto. Além disso não era um pintor super reconhecido na França. Portanto, não foi exatamente uma escolha, e sim a opção. Os objetivos e trajetórias dos integrantes da comitiva francesa no país não seguiram o mesmo rumo, assim o sentido de "Missão", não é exatamente válido.

Chegando no Brasil, na qualidade de europeu, tinha regalias, e tem uma proximidade natural com a corte e a Família Real Portuguesa. Apesar de trabalhar muito para eles, sua obra principal está ligada ao cotidiano do Brasil. Ele teve um notório interesse pelos escravos*
*Ele não era exatamente um admirador de D. João VI e sua turma, uma vez que era partidário de Napoleão. Tinha valores liberais que não apreciavam muito a escravidão.

Coroação de D. Pedro I - Jean Baptiste Debret

Sua obra brasileira é composta principalmente de aquarelas e litografias. As técnicas eram consideradas pela tradição da academia de artes francesa menos nobres que o "Óleo sobre tela". Suas pinturas brasileiras são de formato pequeno*.
*Vendo que não dava pra colocar em prática suas idéias liberais e sua herança neoclássica, e como os temas brasileiros não eram (aparentemente) "grandiosos" o suficiente para honrar a tradição da pintura a óleo, ele resolveu achar um novo caminho (tem quadros óleo feito aqui tb!). E também que por questão de logística nas viagens era mais fácil carregar aquarela e papel do que telas. Ah! A tinta a óleo era bem cara por aqui também.

Assim viajou por alguns cantos do Brasil e tentou pintar tudo que via. Sua obra retrata ações, cenas, rostos, objetos. De certa forma ele tentou isolar cada fragmento da sociedade brasileira para mostrar aos franceses, nos três volumes de "Viagem Pitoresca e Histórica ao Brasil", como estava estruturada.*
*Ele trabalhou para a corte, porém, seus relatos de viagem tinham como objetivo ganhar visibilidade ao seu retorno à França, e não ficar ao Brasil. Os livros são compostos de imagens, e para cada uma ele escreveu uma explicação. Nem toda explicação corresponde exatamente a pintura representada. Em alguns casos ele também aproveita para contar uma fofoquinha do Brasil.

Ao descrever essa imagem que representa como se vestiam as damas da corte, Debret aproveita para contar a fofoca do caso de D. Pedro I com a Marquesa de Santos.

E a moda? Além de retratar os costumes da época, Debret também criou trajes para o corte portuguesa.

Vestido criado por Debret para a coração da princesa Leopoldina, primeira mulher de D. Pedro I

Reprodução do mesmo vestido para a exposição: "Mulheres Reais"

A obra de Debret até hoje é uma grande referência para os diretores de arte criarem cenários e figurinos para filmes que se passam no Brasil do século XIX.
*Ele veio ao Brasil fundar uma Academia de Belas Artes. Até então o nosso país não tinha tradição na produção artística. Existia o artesanato e obras do Aleijadinho, para citar o mais óbvio. Se formos pensar, até hoje, o artesanato é pouco valorizado e, só há pouquíssimo tempo os brasileiros começam a babar menos ovo para o que vem de fora. Imagina como era no século XIX? Em resumo, temos poucos registros pictóricos dessa época.

No final me entendi com Debret. Mas mesmo sabendo de tudo que tem por trás de suas aquarelas, e perdendo a inocência do olhar, não pude deixar de admirá-las. Os miniquadros carregam algo inocente também. A tentativa de um estrangeiro intoxicado por uma civilização com referências e história de mais de 1000 anos, mostrando um país ainda embrionário. Não nasceu uma paixão, mas somos amigos agora.

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E nas pesquisas por Debret acabei encontrando esse editorial feito para a exposição "Mulheres Reais", de 2008, e publicado na Revista Key, editada pela Erika Palomino. As lindas fotos são do Lucas Bori.

E já que meu olhar está perdendo a inocência, confesso que na hora que vi lembrei mais do fotógrafo Pierre Verger, outro francês que zanzou por aqui. O que não é, nem de longe, ruim.

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pra ler...

(1) Catálogo da exposição "Mulheres Reais", curadoria da figurinista Emilia Ducan e de Claudia Fares. Tem inteiro na net: aqui

Vale a pena rever a exposição: aqui

(2)"Jean Baptiste Debret: Caderno de Viagem"
Autor: Julio Bandeira
Editora: Sextante

(3)"Viagem Pitoresca e Histórica ao Brasil"
Autor: Jean Baptiste Debret
Editora:Itatiaia (3 volumes)

(4)"A Forma Difícil: Ensaios sobre a Arte Brasileira"
Autor: Rodrigo Naves
Editora: Ática

tricô cego?

2011-05-18T21:09:00.004-03:00

"And we all shine on"... acordei com o refrão da música "Instant Karma" do John Lennon na cabeça e resolvi procurar o clipe. E....

O que é a Yoko Ono fazendo tricô com uma venda nos olhos. Será que ela quis fazer uma perfomance em pleno clipe?

É um pássaro? Não, é a moda

2011-05-14T22:58:00.007-03:00

Sempre tento encontrar para mim mesma, e para argumentar com aqueles amigos que acham "fútil", uma definição bem embasada para a moda.

Há tempos atrás conversando com um ornitólogo (biólogo especializado em estudar aves) fiquei intrigada com seu trabalho: ele é especilizado em Mata Atlântica e fica meses acampado no mato pesquisando o cotidiano dos passarinhos. Descobre onde os bichinhos fazem seus ninhos, a intensidade e periodicidade do canto, onde vão buscar comida, etc, etc. Se choveu, mais ou menos, se houve seca, queimada, desmatamento, o hábito dos passarinhos será alterado e serve para diagnosticar a saúde da mata.

O Pierre Cardin falou nas palestras que deu no Brasil, sobre "o homem nu no deserto", e como essa imagem é atemporal. Poderia ser na época das cavernas ou daqui a 200 anos (se os desertos ainda existirem). O estilista advoga que ao colocar uma roupa nesse sujeito você determina tempo, temperatura, gostos, e a classe social.

Então, juntando as duas explicações, uma das interpretações interessantes para a moda é: ela nos contextualiza socialmente. Em outras palavras, como os passarinhos, diz a quantas anda "nossa floresta".

BBB do dia: Bella, Biba, Barbara

2011-05-13T16:35:00.011-03:00

coleção outono-inverno 2010/2011 de Bella Freud

Outro dia esbarrei com o site da Bella Freud. Como um sobrenome que por si só já deve ter rendido alguns anos de análise, a estilista inglesa mantém em seu site um semanário de sonhos, dela, da família e dos amigos.

A moda permeia seu imaginário, mas também se permite relatar o nonsense onírico:

Eu sonhei que a Anna Wintour me convidou para ficar com ela e um grupo de amigos em Marrakech. Toda vez que eu olhava ela vestia um roupa incrível, como as que coloca na capa da Vogue América.
Minha amiga, a modelo Susie Bick, me telefonou semana passada contando que havia sonhado com carrinhos de supermercado feitos de pele e que sugeriu que nós deveríamos fazer iguais. Eu fiquei confusa pensando que ela estava falando sobre o típico carrinho de metal, porém, ela estava se referindo aquelas bolsas com rodinhas normalmente usadas pelas velhinhas. Ela me disse: "Foi avassalador, peles loucas, e eu sonhei que fazíamos sucesso com elas".
Essa semana meus sonhos foram muito estranhos e muito chatos para compartilhar com vocês, então vou contar um sonho que tive anos atrás. Sonhei que Jeremy Clarkson tinha um "willy" tão grande que tinha que dobrar em dois para caber dentro da cueca.

Bella Freud é bisenta do pai da pscicanálise, Sigmund Freud. Como criadora de moda seu forte é o tricô. Ela se formou estilista em Roma e trabalhou três anos com Vivienne Westwood até criar sua marca em 1990.

tricô da coleção primavera/ verão 2011 de Bella Freud

Recentemente a designer desenvolveu peças em parceria com Christian Louboutin. O sapateiro delux é padrinho do seu filho Jimmy.

Bella, Jimmy e Christian Louboutin (foto do blog dela no site da Vogue UK)

Coleção limitada de Bella Freud para Christian Louboutin

+ Bella Freud

Está no comando da Hoping Foundation, que tem como objetivo proteger as crianças palestinas refugiadas na Síria, Líbano, Jordânia e na faixa de Gaza.
Para arrecadar fundos para sua instituição, recentemente organizou um show de caridade que colocou de novo no mesmo palco David Gilmour e Roger Waters, do Pink Floyd.
Mantém um blog no site da Vogue Inglesa e costuma contribuir com artigos para revistas como Another Magazine e Pony Step.
Pelo seu trabalho de malharia "bohemian chic", ela foi convidada para ser diretora criativa da Biba, íconica marca dos anos 60. Ficou por lá de 2006 a 2007, criando duas coleções.

Biba e Barbara

A Biba foi criada por Barbara Hulanicki e marcou época na swinging london por transpor nas roupas que desenhava o desejo de liberdade das jovens dos anos 60.
A Biba fechou as portas em 1976 e Barbara veio morar no "glamourous Brazil" ( como está escrito na biografia de seu site). Em seguida foi para Miami.
Hoje, aos 74 anos, Barbara mora em Londres onde mantém um escritório de design de interiores.
Em 2009 a Top Shop redescobriu seu trabalho e ela assinou uma coleção para a rede de fast-fashion inglesa.
A Biba foi relançada em 2006 (sob o comando criativo de Bella), com direito a desfile na London Fashion Week e sumiu em 2007 .
Em 2010 a Biba reaparece como uma linha da loja de departamentos House of Fraser.

Biba nos anos 60

Biba para House of Fraser, 2010

Vídeo (em inglês) que Barbara gravou quando lançou a coleção pra Top Shop:

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Obrigada Mi pela dica involuntária no facebook ;)

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pra ler... (atualizado em 28/05/11)

Outro dia passeando em uma livraria esbarrei nesse livro (em inglês) que conta a história da Biba:
crédito das imagens: Sweet Sassafras©

De moda pra ler